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Intervista – Grazia Bivona, Sotto la pelle

Eyesopen — Sat, 07 Nov 2026 15:23:56 +0000

Questa intervista in tre domande alla fotografa e artista Grazia Bivona si inserisce nell’accordo di cooperazione e media partnership con INSIGHT Foto Festival, kermesse contemporanea che si svolge a Varese dal 2021 e che ha chiuso il 25 ottobre 2026. Giunto alla sua sesta edizione, INSIGHT ha trasformato come ogni anno la città in uno spazio espositivo diffuso, focalizzandosi soprattutto su giovani artisti emergenti che vengono accompagnati, con un percorso di curatela orizzontale incentrato sul dialogo e sul confronto, a realizzare installazioni site-specific del loro lavoro. Il programma si sviluppa in una ventina di sedi, tra spazi istituzionali, urbani e percorsi open-air, coinvolgendo artisti emergenti e mid-career, scuole, accademie e realtà indipendenti attraverso mostre, incontri, performance, talk, conversazioni, presentazioni di libri, eventi sonori, opening, passeggiate con gli artisti, momenti conviviali e circuito OUT. Ogni edizione del festival è caratterizzata dalla scelta di un tema, che gli artisti approfondiscono attraverso il proprio lavoro. Il filo conduttore di quest’anno è stato “ABITO”, inteso nella sua doppia radice di sostantivo (vestito) e verbo (io abito). ABITO è infatti ciò che indossiamo – un segno visibile dell’identità, dell’appartenenza, del ruolo sociale – ma anche il modo in cui abitiamo gli spazi, le relazioni e le istituzioni, intesi come luoghi da interrogare, trasformare e vivere in modo critico e partecipativo. “Sotto la pelle” è un progetto nato dall’urgenza di dar voce ai disturbi del comportamento alimentare, realtà dolorose e complesse che troppo spesso vengono ridotte ad un luogo comune: il desiderio superficiale di voler essere soltanto più magri. In verità ciò che avviene è una metamorfosi profonda e crudele che subisce, lacera e abita il corpo ma, ancor prima, l’anima. Il disturbo diventa una gabbia che trasforma ogni gesto quotidiano in lotta: il cibo in nemico, lo specchio in giudice, il corpo in prigione. Dietro questa ossessione non si cela un ideale estetico, ma un dolore nascosto, fatto di vuoti interiori, solitudine e silenzi. È una metamorfosi che consuma lentamente, invisibile agli occhi degli altri, e che si porta dentro cicatrici difficili da tradurre a parole. “Se dimagrissi qualche chilo smaltirei anche il dolore che mi schiaccia?” “Se perdessi peso e scomparissi qualcuno sentirebbe la mia mancanza?”. Le fotografie raccontano questo corpo trasformato, fragile e resistente al tempo stesso, palcoscenico di battaglie intime e richieste di aiuto mai pronunciate. La scelta della pellicola analogica in bianco e nero amplifica questa visione, immergendo lo spettatore in un paesaggio interiore fatto di buio e sospensione, specchio del tormento vissuto da chi soffre. In questo spazio di immagini e silenzi, il progetto vuole restituire dignità al dolore nascosto, rompere lo stigma, sensibilizzare sull’argomento e trasmettere empatia e comprensione: perché la metamorfosi non è soltanto malattia, ma anche possibilità di rinascita. INTERVISTA Sotto la pelle è un progetto che si sviluppa a partire da un sentire intimo e personale: quando hai avvertito il bisogno di condividerlo e come hai scelto di farlo? Ho avvertito il bisogno di condividere Sotto la pelle quando ho sentito che il mio corpo mi stava dicendo che era arrivato il momento di liberarsi: liberarsi del dolore, ma anche condividere le ferite e il percorso di guarigione con altre persone che vivono o hanno vissuto un’esperienza simile. Ho scelto la fotografia come strumento per dare una forma a ciò che spesso non riesce a essere espresso a parole. All’interno del progetto il corpo diventa il luogo in cui rendere visibile un’esperienza interiore, ma anche uno spazio di condivisione. Attraverso immagini prive di volto e quindi di un’identità precisa, ho cercato di trasformare la mia esperienza in qualcosa di più universale, capace di parlare di fragilità, solitudine, dolore e, allo stesso tempo, di resistenza e rinascita. Il linguaggio che hai utilizzato è quello della fotografia analogica unita ad interventi manuali, compiuti con ago e filo direttamente sulle stampe: in che modo la tecnica di realizzazione entra in risonanza con il significato di questo lavoro? La tecnica è parte integrante del significato del progetto. La scelta della pellicola analogica e del bianco e nero crea un’atmosfera sospesa e intima, mentre l’intervento con ago e filo porta la sofferenza direttamente sulla fotografia. L’atto di “bucare” l’immagine la ferisce e, allo stesso tempo, la ricuce. Volevo che anche la stampa fotografica subisse fisicamente quel processo di dolore e ricomposizione che attraversa il corpo. Ogni punto attraversa la superficie, lasciando una traccia permanente. La cucitura diventa quindi una ferita, ma allo stesso tempo un gesto di cura e di resistenza. La fotografia non si limita a rappresentare il corpo: ne riproduce simbolicamente il processo di trasformazione. Come è statp presentato Sotto la pelle al pubblico di INSIGHT? Sono emersi, da questo allestimento, degli aspetti del lavoro che non avevi considerato in precedenza? Sotto la pelle è stato presentato attraverso le fotografie cucite e un tessuto in similpelle color carne, cucito a sua volta in modo concettuale. Ho scelto questo materiale per creare un’immediata associazione tattile con la pelle e ampliare il lavoro oltre la superficie fotografica. Con l’allestimento ho voluto costruire uno spazio in cui il confine tra immagine, corpo e materia diventasse sempre più sottile. Il tessuto non è soltanto un elemento espositivo, ma una sorta di estensione del corpo rappresentato nelle fotografie. Credo che questo allestimento abbia potuto farmi scoprire nuovi aspetti del progetto, soprattutto nel rapporto tra ciò che è visibile e ciò che può essere percepito fisicamente. La fotografia, entrando nello spazio, è diventato così qualcosa da attraversare e non soltanto da guardare. Note biografiche Grazia Bivona è nata nel 1999 a Catania, dove ha conseguito il Diploma di Primo Livello in Fotografia presso l’Accademia di Belle Arti. Attualmente frequenta il biennio presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. La sua fotografia mira ad essere un linguaggio universale che le consente di esprimere le emozioni umane più profonde, quelle che spesso sfuggono alle parole. Le sue opere sono il risultato di un percorso artistico che vuole coinvolgere il fruitore in un viaggio emotivo e contemplativo. Con ogni scatto, cerca di creare connessioni profonde,

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Intervista – Zhilin Xiang, Your room

Eyesopen — Sat, 07 Nov 2026 14:53:53 +0000

Questa intervista in tre domande alla fotografa e artista Zhilin Xiang si inserisce nell’accordo di cooperazione e media partnership con INSIGHT Foto Festival, kermesse contemporanea che si svolge a Varese dal 2021 e che ha chiuso il 25 ottobre 2026. Giunto alla sua sesta edizione, INSIGHT ha trasformato come ogni anno la città in uno spazio espositivo diffuso, focalizzandosi soprattutto su giovani artisti emergenti che vengono accompagnati, con un percorso di curatela orizzontale incentrato sul dialogo e sul confronto, a realizzare installazioni site-specific del loro lavoro. Il programma si sviluppa in una ventina di sedi, tra spazi istituzionali, urbani e percorsi open-air, coinvolgendo artisti emergenti e mid-career, scuole, accademie e realtà indipendenti attraverso mostre, incontri, performance, talk, conversazioni, presentazioni di libri, eventi sonori, opening, passeggiate con gli artisti, momenti conviviali e circuito OUT. Ogni edizione del festival è caratterizzata dalla scelta di un tema, che gli artisti approfondiscono attraverso il proprio lavoro. Il filo conduttore di quest’anno è stato “ABITO”, inteso nella sua doppia radice di sostantivo (vestito) e verbo (io abito). ABITO è infatti ciò che indossiamo – un segno visibile dell’identità, dell’appartenenza, del ruolo sociale – ma anche il modo in cui abitiamo gli spazi, le relazioni e le istituzioni, intesi come luoghi da interrogare, trasformare e vivere in modo critico e partecipativo. Questo lavoro, dal titolo “Your Room”, indaga lo spazio domestico come luogo di transizione, in cui la presenza di chi lo abita si manifesta attraverso l’assenza. Il progetto si concentra sulle tracce lasciate dagli abitanti — oggetti sospesi tra l’uso e l’abbandono — piuttosto che rappresentare loro direttamente. In questi momenti, la stanza diventa uno spazio in cui memoria, intimità e perdita coesistono. Il progetto considera l’interno come un partecipante attivo dell’esperienza vissuta, una sorta di surrogato del corpo, modellato da abitudini, emozioni e relazioni. Sebbene ogni spazio sia specifico, l’accumularsi di immagini dà forma a un ritratto collettivo che riflette condizioni più ampie di mobilità, precarietà e sradicamento. Il progetto esplora il modo in cui la fotografia può diventare un mezzo in grado di mantenere connessione e continuità quando gli spazi fisici sono temporanei, posizionando l’atto del fotografare come atto di documentazione e insieme gesto di cura. INTERVISTA Your Room guarda agli spazi domestici non come semplici luoghi ma come paesaggi emotivi che, anche in assenza dei loro abitanti, ne conservano memoria e identità: come è nata questa consapevolezza? L’idea di questo progetto nasce dalle mie esperienze di spostamento tra luoghi e paesi diversi, che mi hanno portato a sviluppare una prospettiva in cui mi sembra che il mondo sia collegato proprio come da una stanza all’altra. L’esperienza fisica e i ricordi si sono fusi insieme in questo paesaggio psicologico. E ogni volta che penso alle persone che sono importanti per me, ripenso ai momenti trascorsi con loro nelle stanze in cui ho vissuto insieme a loro. Sento di avere un legame molto profondo con la memoria e con lo spazio. È proprio questo a darmi l’ispirazione per riflettere sulla relazione tra memoria, spazio e persone. Nell’ambito di INSIGHT il tuo lavoro è stato presentato in uno spazio in cui i lavori degli artisti si focalizzavano sul corpo e sui modi di abitarlo, in relazione a sé e in relazione agli altri. Il corpo, nei tuoi scatti, non è sempre presente: come si modifica la nostra percezione in questa assenza? L’assenza del corpo crea un diverso tipo di presenza. Quando non c’è nessuno nell’inquadratura, credo che lo spettatore sia invitato a immaginare chi ci fosse lì, chi potrebbe tornare o chi se ne sia già andato, come il pezzo mancante di un puzzle. Ognuno può colmare autonomamente gli spazi lasciati vuoti. Gli oggetti, le tracce e la disposizione di una stanza possono diventare quasi un’estensione del corpo: portano con sé gesti, abitudini, intimità e memoria. Per me, questa assenza riflette anche l’esperienza dello sradicamento. Quando lasciamo un luogo, la nostra presenza fisica scompare, ma il rapporto che avevamo con quello spazio non svanisce necessariamente con noi: a me interessa questa tensione tra l’essere fisicamente assenti e l’essere comunque emotivamente presenti. La stanza vuota diventa così uno spazio in cui lo spettatore può proiettare i propri ricordi e le proprie esperienze, invece di limitarsi a osservare la storia di qualcun altro. Il progetto, che ha radici nella tua esperienza individuale, arriva a parlare tematiche quali precarietà e sradicamento, che fanno parte del vissuto di molte persone, soprattutto della tua generazione: quando hai capito che il tuo lavoro poteva diventare anche un racconto collettivo? Credo di aver iniziato a rendermene conto quando ho capito che, sebbene il punto di partenza di Your Room fosse molto personale, la sensazione di lasciare un luogo e di perdere il senso di casa non era un’esperienza esclusivamente mia. Il continuo spostarmi da un Paese all’altro e l’adattarmi costantemente a nuovi ambienti mi hanno fatto capire quanto siano numerose le persone della mia generazione che vivono una condizione di instabilità, che si tratti di migrazione, formazione, relazioni, abitazione o, più semplicemente, del crescere in un mondo in rapido cambiamento. Più fotografavo questi spazi, più sentivo che non stavo semplicemente documentando i miei ricordi. Le stanze hanno iniziato a rappresentare un’esperienza condivisa: il tentativo di creare un senso di appartenenza pur sapendo che un luogo, così come una fase della propria vita, potrebbe non essere definitivo. Credo che sia stato proprio in quel momento che il progetto è diventato, per me, una narrazione collettiva: quando i dettagli personali hanno iniziato ad “aprirsi” abbastanza da permettere ad altre persone di riconoscersi al loro interno. Note biografiche Zhilin Xiang è unə artista visivə che lavora con la fotografia e pratiche espanse legate all’immagine. Il lavoro di Xiang esplora il tema della diaspora e dell’impermanenza attraverso gli interni domestici intesi come luoghi di memoria e intimità. Influenzatə dalle esperienze vissute in diverse città, Xiang riflette su come le identità si formino all’interno di ambienti temporanei. @blueeyelili https://zhilinx.cargo.site/

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Mostra – Carla Bruschi, L’Intelligenza Arteficiale

Eyesopen — Sat, 07 Nov 2026 14:41:13 +0000

Diciotto testate giornalistiche e diciotto personaggi entrati nell’immaginario collettivo si incontrano in “Intelligenza Arteficiale – Benvenuti nell’edicola che non chiuderà mai”, la nuova mostra personale di Carla Bruschi, in programma dal 9 al 16 novembre 2026 a Palazzo Bagatti Valsecchi, in via Santo Spirito 7, nel cuore del Quadrilatero della Moda di Milano. L’inaugurazione è prevista lunedì 9 novembre alle ore 18. La mostra è curata dal critico e storico dell’arte Giorgio Gregorio Grasso. “Intelligenza Arteficiale” nasce da un gioco di parole che diventa una provocazione culturale. Al centro del progetto c’è la carta stampata, trasformata da semplice mezzo di informazione in materia artistica e luogo della memoria. Carla Bruschi mette in relazione 18 testate giornalistiche con 18 personaggi immortali, tra supereroi e icone dei cartoni animati. Due mondi apparentemente lontani vengono accostati per riflettere sulla progressiva scomparsa della dimensione materiale dell’informazione e sulla rapidità con cui le notizie vengono consumate nell’epoca digitale. «Intelligenza Arteficiale è un cortocircuito. È l’incontro tra due mitologie che credevo distanti e che invece hanno salvato, a loro modo, la nostra infanzia e la nostra coscienza», spiega Carla Bruschi. La mostra parte da un oggetto che per generazioni ha accompagnato la vita quotidiana: il giornale. Sfogliare le pagine, sentire la carta tra le dita, riconoscere l’odore dell’inchiostro e conservare un ritaglio diventano elementi di un’esperienza che rischia di essere sostituita dalla velocità degli schermi. È proprio sul rapporto tra materia, memoria e immaginario che si concentra la lettura del critico e storico dell’arte Giorgio Gregorio Grasso, curatore della mostra. «Il progetto nasce da un’intuizione poetica e da una provocazione culturale. Attraverso un sottile gioco linguistico tra arte e artificiale, l’artista propone una riflessione sul nostro presente e sul futuro della creatività, rivendicando il ruolo insostituibile dell’esperienza estetica nella vita dell’essere umano», afferma Giorgio Gregorio Grasso. Nell’universo creato da Carla Bruschi, i personaggi della fantasia assumono quindi un compito simbolico: proteggere qualcosa di profondamente reale. La carta, il gesto, la memoria e il piacere fisico della lettura diventano elementi da preservare di fronte alla progressiva smaterializzazione dell’esperienza. «La forza concettuale del progetto risiede proprio in questo paradosso. L’immaginario viene chiamato a proteggere la materia; la finzione interviene in difesa dell’esperienza autentica; l’arte risponde all’artificiale riaffermando il primato della sensibilità», sottolinea Grasso. A ospitare “Intelligenza Arteficiale” è Palazzo Valsecchi, in via Santo Spirito 7, nel cuore del Quadrilatero della Moda di Milano. Un ruolo importante nell’accoglienza del progetto è svolto da Patrizia Grigolini, titolare della Galleria Forte Arte di Palazzo Valsecchi, e dal direttore artistico Vincenzo Napolitano, che affiancano la mostra personale di Carla Bruschi negli spazi espositivi milanesi. La presenza di “Intelligenza Arteficiale” a Palazzo Valsecchi inserisce così il progetto nel contesto artistico e culturale di Montenapoleone, portando nel centro di Milano una riflessione che mette in relazione arte contemporanea, carta stampata, memoria e immaginario collettivo. In occasione del lancio della mostra è stato realizzato anche uno speciale giornale/catalogo cartaceo in formato tabloid di 16 pagine, pensato come parte integrante del progetto culturale e non soltanto come strumento di presentazione dell’esposizione. Il giornale/catalogo sarà stampato in 10mila copie e distribuito gratuitamente nel centro di Milano il giorno dell’inaugurazione, lunedì 9 novembre. Un’iniziativa che riporta fisicamente la carta stampata nelle mani del pubblico proprio mentre la mostra riflette sul suo valore, sulla memoria e sul rapporto sempre più complesso tra esperienza materiale e comunicazione digitale. La pubblicazione raccoglie il progetto espositivo, gli approfondimenti critici, le opere e la biografia dell’artista, trasformandosi così in una testimonianza destinata a rimanere anche dopo la conclusione della mostra. A partire dal 9 novembre, giorno di apertura della mostra, il giornale/catalogo sarà disponibile anche in formato digitale e potrà essere scaricato gratuitamente in PDF dal magazine online DossierCultura.it e dal sito dell’artista www.carlabruschiart.com. La realizzazione di “Intelligenza Arteficiale” e delle iniziative collegate è stata possibile grazie al sostegno di Radio Lombardia e delle aziende Sinet e Outsourcing, che hanno scelto di affiancare il progetto e contribuire alla sua realizzazione e diffusione. Il loro supporto ha permesso di accompagnare l’esposizione con un progetto di comunicazione che porta “Intelligenza Arteficiale” anche fuori dagli spazi della mostra, attraverso la radio, la distribuzione del giornale/catalogo nel centro di Milano e la sua diffusione digitale. Informazioni Carla Bruschi – “Intelligenza Arteficiale” Benvenuti nell’edicola che non chiuderà mai Dal 9 al 16 novembre 2026 Orari: tutti i giorni dalle 10.30 alle 18.30 Palazzo Bagatti Valsecchi – Via Santo Spirito 7, Montenapoleone, Milano A cura di: Giorgio Gregorio Grasso Informazioni e segreteria: carlabruschiart@gmail.com – Tel. e WhatsApp +39 339 28 00 846

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Intervista – Federica Duma, Metamorphoses

Eyesopen — Sun, 27 Sep 2026 18:19:05 +0000

Questa intervita in tre domande alla fotografa Federica Duma inaugura la nostra media partnership con INSIGHT Foto Festival, kermesse contemporanea che si svolge a Varese dal 2021 e che si ripeterà dal 16 al 25 ottobre 2026. Giunto alla sua sesta edizione, INSIGHT trasforma ogni anno la città in uno spazio espositivo diffuso, focalizzandosi soprattutto su giovani artisti emergenti che vengono accompagnati, con un percorso di curatela orizzontale incentrato sul dialogo e sul confronto, a realizzare installazioni site-specific del loro lavoro. Il programma si sviluppa in una ventina di sedi, tra spazi istituzionali, urbani e percorsi open-air, coinvolgendo artisti emergenti e mid-career, scuole, accademie e realtà indipendenti attraverso mostre, incontri, performance, talk, conversazioni, presentazioni di libri, eventi sonori, opening, passeggiate con gli artisti, momenti conviviali e circuito OUT. Ogni edizione del festival è caratterizzata dalla scelta di un tema, che gli artisti approfondiscono attraverso il proprio lavoro. Il filo conduttore di quest’anno è “ABITO”, inteso nella sua doppia radice di sostantivo (vestito) e verbo (io abito). ABITO è infatti ciò che indossiamo – un segno visibile dell’identità, dell’appartenenza, del ruolo sociale – ma anche il modo in cui abitiamo gli spazi, le relazioni e le istituzioni, intesi come luoghi da interrogare, trasformare e vivere in modo critico e partecipativo. L’autrice ci parla di Metamorphoses, progetto del 2024 che esplora il corpo femminile come territorio in continua trasformazione, sospeso tra dimensione fisica e psicologica, tra fiaba e messa in scena. È un lavoro multimediale che indaga la costruzione dell’identità nel passaggio dall’adolescenza alla giovane età adulta, attraverso temi come crescita, desiderio, vulnerabilità e il legame profondo tra corpo e natura. Le immagini si configurano come frammenti di passaggio, istanti sospesi in cui il corpo diventa spazio abitato da tensioni emotive e metamorfosi silenziose. Il progetto nasce da sketch e studi compositivi che anticipano costruzione e composizione dell’immagine, in cui ogni elemento assume valore simbolico. La fase fotografica si intreccia con la post-produzione e il fotomontaggio in Photoshop, utilizzati per amplificare la dimensione onirica e restituire una realtà rarefatta, tra il reale e l’immaginario. Ecco cosa le è stato chiesto: Metamoprhoses indaga un momento di crescita e di trasformazione stabilendo una connessione profonda tra il corpo – in questo caso femminile – e la natura: da quali considerazioni prende avvio il riconoscimento di questo legame? Si tratta di un legame solo simbolico o ha una forma più ampia? Il cuore dei miei progetti cela spesso la presenza della natura, splendida, selvaggia, ma anche spietata. Una consapevolezza che mi ha resa sempre più cosciente di quanto, pur essendo parte della natura e della dimensione animale, veniamo educati a percepirci come qualcosa di separato da essa. Penso inoltre che l’associazione tra femminile e natura abbia radici profonde, culturali e ancestrali. Il vissuto femminile, dai cambiamenti corporei al rapporto con il sangue, crea una connessione con una dimensione istintiva e naturale di noi. È proprio questo aspetto che mi interessa contrapporre all’immaginario nel quale sono cresciuta, che induce a prendere le distanze dalla nostra componente “naturale” e che tende, soprattutto nel corpo femminile, a nasconderne o controllarne alcuni aspetti. In Metamorphoses, mi interessava quindi tornare a un racconto simbolico, non per idealizzarlo, ma per comprenderlo e accoglierlo. Questo lavoro combina riprese e fotografie realizzate in studio con tecniche di post-produzione: è una scelta espressiva che nasce da un’esigenza specifica di questo progetto oppure si tratta di una parte integrante della tua pratica artistica? Al momento direi che è un’esigenza costante del mio processo creativo. Per me, la post-produzione è da sempre uno strumento che, in un modo o nell’altro, amplia le possibilità dell’immagine e mi permette di esplorare differenti possibilità. Un’estensione utile a definire e arricchire l’identità estetica della mia fotografia. Manipolare le immagini digitalmente mi consente di sperimentare e di comporre, attraverso la fotografia, un vero e proprio racconto visivo specifico e misurato, articolato con simbolismi, elementi e colori. Effettivamente non l’ho mai concepita come una semplice fase successiva allo scatto, bensì come una parte integrante del processo creativo e della costruzione dell’immagine stessa. Metamoprhoses sarà presentato al pubblico di INSIGHT non come una sequenza di immagini, ma con una dimensione installativa: quali aspetti del lavoro saranno messi in luce attraverso questo allestimento? Considerando che questa serie di fotografie è nata come estensione di un progetto video, la possibilità di presentare con Insight il lavoro nella sua interezza l’ho percepita come un’occasione per restituirne la natura più completa. Nell’allestimento ho trovato l’opportunità di creare un contesto immersivo, pensato per coinvolgere il pubblico e avvicinarlo, almeno idealmente, a un’atmosfera coerente con la mia ricerca. Andare oltre la semplice sequenza di immagini mi permette di mettere in luce e costruire un ambiente che possa accogliere e trasmettere proprio quelle sfumature di innocenza e aspra dolcezza che caratterizzano la mia narrazione.Per me, inoltre, riadattare questo progetto multimediale in chiave installativa rappresenterebbe uno stimolo creativo e, allo stesso tempo, una ricerca comunicativa capace di farmi approfondire la percezione e l’atmosfera che vorrei trasmettere al pubblico. Note biografiche Federica Duma (Legnano, 1999) è una fotografa e art director. Si avvicina alla fotografia a quattordici anni e sviluppa una ricerca basata sulla narrazione visiva e su immagini sospese tra realtà e immaginazione. La sua pratica indaga l’immagine fotografica come spazio simbolico, rielaborando il reale in chiave onirica e stratificata. Attraverso fotomontaggio e post-produzione costruisce visioni delicate e atmosferiche in cui la figura umana, spesso femminile, è tramite emotivo. Il suo lavoro esplora fragilità, malinconia e metamorfosi. mei.jolie https://meijolie.portfoliobox.net

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Portfolio – Simone Zeffiro

Eyesopen — Mon, 10 Aug 2026 15:28:26 +0000

In un’epoca caratterizzata dalla saturazione visiva e dalla perfezione artificiale del digitale, la ricerca di Simone Zeffiro rivendica l’autorità del vuoto e l’integrità dell’esperienza umana. La sua fotografia non intende documentare la superficie del mondo, ma agisce come un atto di “sottrazione clinica” volto a manifestare ciò che resta quando il rumore della realtà svanisce. Attraverso un bianco e nero rigoroso e l’uso, talvolta, di tecniche di nicchia come l’infrarosso e l’HDR, Zeffiro distilla la materia fino a rivelarne l’essenza geometrica e psicologica. In questo rito di decantazione, l’invisibile si palesa dietro le apparenze: la pelle si trasforma in un paesaggio geologico, la curva di una scala diventa un abisso introspettivo e un semplice elemento naturale acquisisce la dignità di un monumento eterno. Le sue opere non appartengono né al passato né al futuro. Sospese in una dimensione atemporale, esse invitano l’osservatore a un dialogo serrato con l’immagine, dove l’ombra non è mai assenza di luce, ma un volume denso di segreti. Ogni scatto è un frammento di visione certificato dall’integrità dello sguardo, un “testimone silenzioso” che sfida la velocità del nostro tempo per ristabilire la sacralità del silenzio. Note biografiche Simone Zeffiro è un autore Fine Art con oltre vent’anni di ricerca visuale alle spalle. Nato nel 1979 e cresciuto a pochi passi da Milano, inizia il suo percorso nel 2004 come autodidatta. Le prime esperienze si concentrano sulla fotografia paesaggistica, manifestando sin da subito una forte predilezione per il bianco e nero e le lunghe esposizioni, per poi approfondire ambiti tecnici di nicchia come l’HDR e l’infrarosso. Successivamente si dedica alla fotografia sportiva, ricoprendo per due anni il ruolo di fotografo ufficiale del circuito velico MINI 650. Questa fase di rigore e disciplina precede l’approdo al mondo del fashion e della ritrattistica concettuale, ambiti in cui inizia a indagare la figura umana attraverso l’ottica del lusso e della ricerca psicologica. La sua carriera è scandita da collaborazioni internazionali di rilievo, tra cui spicca il lungo sodalizio con la testata britannica Luxurious Magazine, per la quale ha curato feature, interviste e test-drive tecnici di sistemi medio formato Hasselblad e Phase One. Nominato finalista agli Hasselblad Masters nel 2016 e premiato più volte agli International Photography Awards (IPA), Zeffiro ha collaborato inoltre come photo editor e responsabile della fotografia per la rivista statunitense STARK Magazine e per diverse testate nei settori moda e lifestyle. Dopo un silenzio creativo post-covid, inteso come un necessario processo di decantazione delle idee e del gusto, è tornato nel 2025 alla produzione artistica con una visione matura, focalizzata su quella che definisce “Alchemy of Presence”. Recentemente celebrato da piattaforme internazionali come Haberler.com, Collection Pan-Arab Luxury Magazine e svariate riviste di moda indipendenti, oggi interpreta la materia e lo sguardo umano come testimoni silenziosi del tempo. Web: www.simonezeffiro.com IG: @Simone_Zeffiro

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Portfolio – Roberto Solomita, The Disappearance of Harry Kipper

Eyesopen — Mon, 10 Aug 2026 15:09:52 +0000

La veridicità nella produzione e nella circolazione delle informazioni era già messa in discussione prima che la post-verità diventasse la cifra del presente. In questo contesto, la fotografia occupa una posizione particolare: pur presentandosi come prova, porta con sé fin dalla sua nascita una natura ambigua. Questo lavoro torna a un tempo antecedente al presente, per osservare la contemporaneità attraverso una sfasatura temporale che ne evidenzia le ombre. Nel gennaio del 1995, sui media italiani circola la notizia della scomparsa di Harry Kipper, artista e cicloturista inglese. Secondo i resoconti stava attraversando il Friuli in bicicletta tracciando la parola “ART” con il percorso del suo viaggio, quando se ne perdono le tracce al confine con la Slovenia. Giornali locali e nazionali formulano ipotesi, raccolgono indizi, diffondono appelli. Del caso si interessa anche la trasmissione televisiva Chi l’ha visto? Si scoprirà che Harry Kipper non è mai esistito: era un personaggio inventato dal collettivo Luther Blissett per mettere alla prova la permeabilità del sistema mediatico. Questo lavoro non ricostruisce quella vicenda, ma attraversa il Friuli come un territorio di plausibile ambiguità, dove una storia può essere creduta perché compatibile con le forme che assume e con l’ambiente che la ospita. Le persone ritratte non sono testimoni di nulla. Sono abitanti di un paesaggio rimasto identico anche dopo che la verità si è rivelata accessoria. Le fotografie adottano il linguaggio della documentazione, senza in realtà documentare nulla. Non distinguono tra prova e messa in scena, tra reperto e costruzione, muovendosi sui confini di quella indeterminatezza che accompagna l’immagine fotografica fin dalla sua origine. Harry Kipper diventa così un caso attraverso cui osservare come una storia possa attraversare un territorio, essere creduta, diffusa e scomparire senza lasciare traccia. Note biografiche Roberto Solomita, nasce a Modena nel 1976. Si avvicina alla fotografia molto presto, tra scatti e pratica di camera oscura, grazie alla passione del padre. Parallelamente agli studi in Scienze Politiche all’Università di Bologna, lavora come fotografo professionista, attività che prosegue fino all’impegno a tempo pieno nella politica e nell’amministrazione locale. Dopo il corso di Fotografia Documentaria e Fotogiornalismo alla Fondazione Marangoni di Firenze con il Collettivo TerraProject e il Master in Fotografia Contemporanea a Spazio Labò di Bologna con Mustafa Sabbagh, sviluppa una ricerca che utilizza la messa in scena come dispositivo di indagine sulle immagini e sui loro meccanismi di costruzione del senso.

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Mostra – Francesca Chiacchio, Appleby Horse Fair

Eyesopen — Sat, 13 Jun 2026 09:35:11 +0000

Ogni anno, nella cittadina di Appleby-in-Westmorland, in Cumbria, Inghilterra, si svolge una delle più antiche e importanti fiere equestri d’Europa: la Appleby Horse Fair. Per alcuni giorni, migliaia di Irish Travellers e comunità gitane provenienti da tutto il Regno Unito si ritrovano lungo le rive del fiume Eden, trasformando la città in un grande accampamento di caravan, cavalli e tradizioni tramandate da generazioni. La fiera non rappresenta soltanto un mercato, ma soprattutto un momento di incontro sociale e identitario: uno spazio in cui famiglie separate dalle distanze tornano a riunirsi, rinsaldando legami comunitari e consuetudini antiche. All’interno di questa tradizione, il ruolo dei giovani è centrale. Per molte ragazze e ragazzi della comunità, la fiera diventa anche un’occasione di conoscenza e corteggiamento. In una cultura dove il matrimonio avviene spesso in giovane età – generalmente tra i 16 e i 17 anni per le donne e tra i 18 e i 19 per gli uomini – Appleby rappresenta uno dei pochi momenti dell’anno in cui le nuove generazioni possono incontrarsi, tra le strade fangose della fiera, le corse dei cavalli e le serate condivise davanti ai caravan. Nel 2024 ho raggiunto Appleby, spinta dal desiderio di raccontare attraverso le immagini una comunità di cui ero venuta a conoscenza e che mi attraeva profondamente sia per la sua identità culturale che per la sua estetica. Nella mia fotografia lo sguardo è spesso rivolto verso le figure femminili: il loro modo di vestire appariscente, le ciglia finte e le unghie lunghissime erano sicuramente tra gli elementi che più mi avevano colpita, insieme alla pelle chiarissima, le lentiggini e gli occhi azzurri tipicamente irlandesi. Allo stesso tempo, mi incuriosiva conoscere la storia e la provenienza di una comunità che ancora oggi riesce a vivere ai margini della società dominante, custodendo la propria cultura e le proprie tradizioni. Mi colpisce molto il loro orgoglio identitario, la spiritualità, la durezza della vita itinerante e quel forte senso di appartenenza che, nonostante le avversità, continua a resistere. Si tratta di una comunità spesso narrata attraverso stereotipi, che si trova ad affrontare quotidianamente i pregiudizi e le rinunce che una simile scelta comporta; una realtà difficile soprattutto per i più giovani, sospesi tra il desiderio di mantenere vive le proprie radici e le inevitabili pressioni del mondo esterno. Questo progetto, in bilico tra street photography e réportage, è esposto fino al 18 giugno allo spazio M’Arte di via Guglielmo Marconi 4 a Pozzuoli, Napoli, nell’ambito della Rassegna M’ArteFotografia a cura di Gianni Biccari. Note biografiche Francesca inizia a scattare e stampare foto mentre studia architettura a Napoli. Dopo essersi laureata, si iscrive ad un corso intensivo di fotografia presso NIGMA Fotografi e subito dopo si trasferisce a New York, con l’idea di diventare una fotografa professionista. Arrivata lì, lavora come architetto per oltre 8 anni, continuando a fotografare nel tempo libero. Tornata a Napoli, nel 2017 si appassiona alla Street Photography, e dal 2019 il suo lavoro è stato esibito in vari festival e mostre di fotografia ed è apparso su numerose riviste e pagine web nazionali e internazionali. Dal 2020 Francesca è membro del collettivo internazionale di street photography “Through the Lands”, il cui scopo è connettere fotografi da varie parti del mondo. Nel 2021 appare tra le 100 “Women Street Photographers” nel libro edito da Prestel Publishing. Nel 2023 vince il secondo premio al Gothenburg Street Photo Festival con la serie “Napolism”; ed è chiamata a collaborare con la rivista internazionale di street photography Eyeshot Magazine per condurre una serie di esperienze fotografiche organizzate a Napoli durante la mostra “Eyeshot Open Call 2023” a Magazzini Fotografici. Nello stesso anno esce un articolo su di lei sulla rivista Il Fotografo; mentre nel 2024 il suo nome appare sulla rivista Fotocult.it tra 5 maestri della fotografia di strada (assieme a Martin Parr, Stefano Mirabella, Eolo Perfido e Gabriele Galimberti). Nel 2024 pubblica la sua prima Zine con la rivista Docu Magazine; mentre nel 2025 espone il suo progetto “Napolism” al Festival Fotografico Europeo in Legnano (MI). Francesca è stata giudice e guest speaker in diversi festival internazionali di fotografia di strada (Gothenburg, Istanbul, Atene, Bruselles e Roma), e da anni conduce workshops in Italia e nel mondo.

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Festival Fotografico Europeo 2026, un viaggio nelle “Geografie umane”

Eyesopen — Sun, 29 Mar 2026 15:12:06 +0000

Busto Arsizio, Castellanza, Legnano, Olgiate Olona, Cairate (Varese) e il terminal 2 dell’Aeroporto di Malpensa sono i luoghi coinvolti nel Festival Fotografico Europeo, evento diffuso giunto alla sua XIV edizione e organizzato dall’Archivio Fotografico Italiano con il patrocinio della Commissione Europea e delle Amministrazioni Comunali, sotto la direzione artistica di Claudio Argentiero. L’iniziativa, che durerà fino al 26 aprile, è stata possibile grazie alla collaborazione di numerosi partner culturali e istituzionali, tra cui Fujifilm Italia – che ha prodotto la mostra di Monika Bulaj, Istituto Polacco Roma, l’Istituto Superiore “Giovanni Falcone” di Gallarate, la Rivista Africa, Martin Parr Foundation, Travel Tales Award, oltre a gallerie e realtà private come Galleria Boragno, Albè & Associati – Studio Legale, Spazio Immagine, Andreella Photo, VareseNews, Materia Spazio Libero. Media partner è la rivista “Il Fotografo”. Geografie Umane è il tema di quest’anno, e si snoda come un racconto dei luoghi compiuto ponendo l’attenzione alle persone che li abitano, li attraversano e li custodiscono. È una mappa aperta, senza confini rigidi, costruita da presenze e assenze, memorie e trasformazioni. La fotografia d’autore si fa linguaggio plurale: testimonianza, relazione profonda con lo spazio, visione intima e poetica. Le immagini non si limitano a descrivere, ma interrogano e suggeriscono, rivelando legami invisibili tra individui, territori e identità. Ne emerge una geografia emotiva e culturale, in cui l’esperienza umana diventa segno, luce e racconto, offrendo al visitatore uno spazio di ascolto, emozione e riflessione. Il Festival promuove la fotografia d’autore e il linguaggio visivo contemporaneo attraverso un articolato programma di mostre, conferenze, proiezioni, presentazioni di libri e percorsi formativi, mettendo in dialogo fotografia storica, moderna e contemporanea. Il progetto favorisce l’incontro tra autori affermati ed emergenti, italiani e internazionali, e si propone come spazio di confronto aperto a professionisti, studiosi, studenti e appassionati. Pensato come un laboratorio culturale aperto al dialogo europeo, il Festival utilizza la fotografia come strumento di relazione e riflessione, capace di interpretare linguaggi e sensibilità diverse, rafforzando il ruolo della cultura come motore di inclusione, partecipazione e crescita collettiva. Oltre alla mostra tributo a Martin Parr, ospitata a Palazzo Marliano Cicogna a Busto Arsizio, citiamo tra le tante quella storica “Trame di eleganza nella moda d’epoca”, che raduna al Museo del Tessile di Busto immagini dei primi anni del Novecento; la personale di Gabriele Maria Pagnini “Ritratti di un’epoca 1970-2000” all’Aeroporto di Malpensa (dal 9 aprile al 31 maggio); quella di Monika Bulaj a Palazzo Leone da Perego, Legnano, dal titolo “The borderlands of Europe”; e da non perdere la retrospettiva che celebra il lavoro del grande Francesco Cito, “L’archivio svelato. Scatti inediti di un fotoreporter” a Villa Pomini, Castellanza, fino al 19 aprile. Impossibile citarle tutte, tra personali e collettive per i visitatori ci sarà solo l’imbarazzo della scelta e l’impegno di non perderle. Tra i tanti autori, segnaliamo anche Paolo Patruno, Emanuela Colombo, Giorgio Bianchi, gli studenti del IV anno dell’IS Giovanni Falcone di Gallarate, Marco Martelli, Lorenzo Scoglio, Luca Bonacini, Matteo Engolli, Emanuele Carpenzano, Emil Gataullin, Alain Schroeder, Elisabetta Rosso e molti altri Per maggiori informazioni: www.europhotofestival.com

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Francesco Jodice, Racconti di boschi, di fabbriche e di persone

Eyesopen — Wed, 04 Mar 2026 19:07:17 +0000

. Testo di Fabrizio Bonfanti Qualche giorno fa sono stato invitato nello studio milanese di Francesco Jodice per assistere alla presentazione del suo ultimo libro: “Racconti di boschi, di fabbriche e di persone”, pubblicato da Cimorelli Editore. Erano presenti Anna Zegna (della Fondazione Zegna che ospita la mostra relativa) e anche alcuni ragazzi della scuola di Trivero che Jodice ha coinvolto. Ho quindi avuto la fortuna di poter vedere gli spazi dove l’autore lavora alle sue opere: lo studio dalle pareti bianche ospita tantissimi libri e diverse stampe di grande formato di immagini provenienti dai vari progetti ai quali Jodice si è dedicato, oltre ai suoi strumenti di lavoro: la stampante con la quale produce le sue stampe e, prima, le prove di stampa con indicazione circa le correzioni da fa fare. Il progetto, frutto di una committenza artistica che gli ha lasciato molta libertà di espressione, ruota attorno all’area del Biellese dove, nella prima metà del Novecento, Ermenegildo Zegna aveva impiantato la sua tessitura e aveva deciso di dedicarsi a opere di sostegno della comunità e del territorio, come il rimboschimento della zona con oltre 500.000 alberi. L’oasi Zegna ora fa parte del FAI ed è tutelata per la sua bellezza e il suo valore naturalistico. Il progetto di Francesco Jodice, inaugurato nel 2025, si colloca a quasi 20 anni dal lavoro che il padre Mimmo condusse nel 2008 sul medesimo territorio, per ritrarre i paesaggi dell’Oasi e gli interni del Lanificio Ermenegildo Zegna. Si realizza così un dispositivo narrativo che di nuovo restituisce essenza, memoria e identità del luogo: due sguardi diversi che attraversano lo stesso luogo che, come loro, esiste nella continuità, come senso di naturale evoluzione. Il volume è il punto di arrivo di un’indagine, confluita anche in una mostra aperta fino al 26 aprile a Casa Zegna, che l’autore ha svolto ritraendo il paesaggio, la fabbrica e la comunità. Quest’ultima rappresentata dai ragazzi della scuola di Trivero che vengono da lui ritratti con lo stile tipico della foto di classe (progetto al quale l’autore lavora da oltre vent’anni), mentre le immagini che rappresentano la fabbrica sono caratterizzate dall’assenza della figura umana. Gli alunni sono stati coinvolti anche attivamente nel progetto: è stato chiesto loro di realizzare delle opere personali a partire delle immagini di Jodice. Si tratta quindi di un lavoro organico dove convergono diversi linguaggi che rafforzano l’identità del territorio. Emerge un ritratto coeso della comunità, del paesaggio naturale e antropizzato che risultano inscindibili e necessari per il racconto che volge lo sguardo al futuro e alle nuove generazioni. La mostra Aperta tutte le domeniche fino al 26 aprile 2026 Orari: 14.30 – 18.30 Ingresso: intero €7 | ridotto €5 Aperture straordinarie: 21 marzo e 25 aprile 2026 Casa Zegna – Via Marconi, 23 – Trivero Valdilana (Biella) tel. +39 015.7591463 casazegna@fondazionezegna.org Note biografiche Francesco Jodice è nato a Napoli nel 1967. Vive a Milano. La sua ricerca artistica indaga i mutamenti del paesaggio sociale contemporaneo, con particolare attenzione ai fenomeni di antropologia urbana e alla produzione di nuovi processi di partecipazione. I suoi progetti mirano alla costruzione di un terreno comune tra arte e geopolitica, proponendo la pratica artistica come poetica civile. Insegna al Biennio di Arti Visive e Studi Curatoriali e al Master in Photography and Visual Design presso NABA – Nuova Accademia di Belle Arti di Milano e alla Scuola Holden di Torino. È stato tra i fondatori dei collettivi Multiplicity e Zapruder. Ha partecipato a grandi mostre collettive come Documenta, la Biennale di Venezia, la Biennale di Sao Paulo, la Triennale dell’ICP di New York, e ha esposto al Castello di Rivoli, alla Tate Modern di Londra e al Prado di Madrid. Tra i suoi progetti principali ci sono l’atlante fotografico What We Want, l’archivio di pedinamenti urbani The Secret Traces e la trilogia di film sulle nuove forme di urbanesimo Citytellers. I suoi lavori più recenti – Atlante, American Recordings e Sunset Boulevard – esplorano il futuro dell’Occidente. Esposizioni Personali (selezione): 2019, Weird Tales / Strane Storie, Castello di Postignano; 2019, Il Cordaro Nero e la vendetta del Gavi, Fondazione La Raia, Forte di Gavi; 2018, Nuova Terraferma, Palazzo Grillo, Genova; 2017, São Paulo Citytellers, Tehran Museum of Contemporary Art, Tehran;2017 Nobody Told Me, Podbielski Contemporary GmbH, Germania; 2017 The Citytellers, Teatrino di Palazzo Grassi, Venezia; 2017 Hard, Galerìa Marta Cervera, Madrid; 2017 Panorama, Fotomuseum Winterthur, Winterthur; 2016 Cabaret Voltaire, Gazelli Art House, London; 2016 Panorama, CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino; 2015 American Recordings, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino; Weird Tales, Galleria Michela Rizzo-Palazzo Fortuny, Venezia; Cronache, Galleria Umberto Di Marino, Napoli; 2013 La notte del Drive In: Milano spara, ex fabbrica Alfa Romeo, Milano; 2013 Francesco Jodice, Podbielski contemporary, Berlino; 2012 Citytellers, messa in onda, Cinema Giorgione, Venezia; Umea – Spectaculum Spectatoris, Bildmuseet, Umea, Svezia; Francesco Jodice, Galleria Michela Rizzo, Venezia; Prado – Spectaculum Spectatoris, QAGOMA – Queensland Art Gallery, Brisbane; 2011 Babel, Museum of Contemporary Art, Zagabria; Spectaculum Spectatoris, Museo Nacional del Prado, Madrid; I Have Seen this Place Before, ARTRA art gallery, Milano; Citytellers. Film, Photographs, Scripts, Galerìa Marta Cervera, Madrid; 2010 Fotografie dal progetto Citytellers, Galleria Umberto Di Marino, Napoli; Citytellers, Museo Madre, Napoli; Citytellers, MAMbo, Bologna; 2009 I can see your house from here, Museion at the Eurac Tower, Bolzano; 2008 The Chaos Theory, Galerìa Marta Cervera, Madrid; Film retrospective_Fair Play, Kunsthalle, Lugano; 2007 Secret Traces 1997-2007, Tinglado2, Tarragona; Gabriele Basilico / Francesco Jodice, VM21artecontemporanea, Roma; 2006 São Paulo_Citytellers, Rete Globo/TV Cultura, Brasile; Ghost in the Shell, Canal+ Europe, Spagna; Agent provocateur, Galleria Umberto Di Marino, Napoli; Rear Window, Canal+ Spain, Madrid; 2004 Private Investigations, Galerie MudimaDue, Berlino; 2003 What We Want, Galerìa Marta Cervera, Madrid; The Crandell Case, Photo & Contemporary, Torino; The Random Viewer, Galleria Spazio Erasmus, Milano.

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Portfolio – Misia Bottaro, Il Tratto

Eyesopen — Tue, 17 Feb 2026 12:42:33 +0000

Questo progetto indaga, con profondità di pensiero, la scena artistica romana contemporanea, consegnandocela attraverso dodici ritratti realizzati negli studi di altrettanti giovani protagonisti di quel mondo. Ogni immagine coglie l’artista, figura emergente della produzione locale, nel suo spazio operativo, trattando l’atelier non come semplice sfondo contenitore del soggetto, ma come prolungamento della sua pratica creativa: tele in lavorazione, schizzi accumulati, strumenti sparsi sono elementi fondamentali nella composizione che li colloca al centro. Attraverso pose statiche, emerge il processo – stratificazioni di materia, appunti visivi, silenzi carichi – delineando una mappatura intima e quanto più accurata possibile del fare artistico della Capitale. Note biografiche Misia Bottaro (Roma, 2004) è laureanda in Fotografia e Audiovisivo presso la RUFA – Rome University of Fine Arts. Attualmente sta svolgendo attività di ricerca e studio presso la Film School di Łódź, approfondendo il linguaggio audiovisivo. La sua ricerca si sviluppa attraverso progetti a lungo termine, spesso di natura intima e simbolica, in cui il corpo, il mito, la memoria e il rapporto con l’altro diventano luoghi di indagine. Il suo lavoro si muove tra fotografia e narrazione visiva, con un’attenzione particolare ai processi di trasformazione, alla traccia e alla costruzione dell’identità.

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