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Nasce Noc Sensei – Portale multidisciplinare per la buona Fotografia

Partiamo col dire che cosa sia New Old Camera, ammesso di esserne capaci. La banalizziamo, così si capisce di più: si tratta di un negozio che vende “ferro”, fotocamere e accessori, vecchi e nuovi. Si trovano a Milano, in via Dante 12, per esser più precisi fa da collettore per fotografi e appassionati di materiale nuovo e usato che convogliano qui anche solo per l’assistenza, per un consiglio, una chiacchierata, uno scambio di prodotti e opinioni con chi certamente ne sa. Una volta ci ho trovato dentro clienti dall’Iran, a sottolineare la visione piuttosto internazionale del suo incredibile proprietario, il signor Ryuichi Watanabe. Un giapponese, sotto la Madunina da decenni, che trattiene i clienti e li fa tornare anche solo per la simpatia che sprigiona il suo volto. Che EyesOpen! sia da sempre amico di New Old Camera è cosa nota: ci hanno ospitati, venduti, raccontati sul loro seguitissimo canale youtube. Ora il negozio di fotografia più accogliente d’Italia ha deciso di fare un grande salto nell’etere, per essere ancora più vicino ai suoi clienti e trovarne di nuovi e, soprattutto, per fare cultura, tema tanto caro al signor Watanabe che si è sempre speso anche per organizzare convegni, eventi, mostre, talk e incontri intorno all’arte fotografica. Sostenuto dal suo stretto collaboratore e factotum, Giordano Suaria, ha aperto da qualche settimana un nuovo portale dove anche io pubblico contenuti. Si chiama NOC SENSEI, il “Chi siamo” recita così:

Sensei (先生 lett. “persona nata prima di un’altra”, pron. [‘sen.seː]) è un termine giapponese che ha spesso l’accezione di “maestro” o “insegnante”. Il termine viene spesso erroneamente pronunciato con la i finale, quando in realtà quella non è altro che un allungamento dell’ultima e, che quindi andrebbe pronunciata “sensee”.
NOC SENSEI è un modo nuovo di vedere, vivere e condividere la passione per la fotografia.
Risveglia i sensi, allarga la mente e gli orizzonti.
Non segue i numeri, ma ricerca sensazioni e colori.
Queste le firme: Maurizio Vagnozzi, Marco Cavina, Giuseppe Ciccarella, Massimiliano Terzi, Raffaela Lepanto, Barbara Silbe, Gloria Daluiso, Claudio Trezzani, Ryuichi Watanabe.
E le collaborazioni: Gerardo Bonomo, Ugo Marinelli, Giulia Bianchi, Gabriele Lopez, Roberto Mutti.
In redazione: Giordano Suaria, Michela Avanti.
Si naviga su NOC SENSEI per informarsi, per imparare, seguire un corso, controllare i nuovi prodotti e approfondirne l’uso, ma anche leggere la recensione a una mostra o vedere un’intervista video a un esperto del settore o a un grande autore. Collabora con questo spazio perfino un’avvocato del lavoro, che vi illuminerà sui diritti di chi pratica la fotografia, e sui vostri doveri. La differenza è che ora la bravura di New Old Camera e dei suoi collaboratori sarà disponibile anche a utenti di altre regioni italiane o, perché no, oltreconfine. Il progetto è ambizioso ed è già decollato. I numeri degli accessi al sito sono importanti, le risposte sui canali social danno loro ragione: sollecitare l’interesse trattando argomenti utili, validi, colti, fa tornare la voglia di fotografia. Quella buona.
(Barbara Silbe)
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Portfolio – Michele Pavana

Mati, Nea Makri – regione Attica, Grecia.

Nella notte tra il 23 e 24 di luglio scoppia un furioso incendio nella zona costiera tra Rafina e Maratona. I forti venti caldi (124 km/h con temperatura di 40° circa) hanno favorito lo sviluppo del fuoco, di origine dolosa, che travolge le cittadine di Mati e Nea Makri, due delle zone turistiche più frequentate dagli ateniesi.

Il fuoco, partito dall’alto di una collina, distrugge tutto ciò che incontra nella sua discesa verso il mare. La velocità del vento lo rende talmente violento da non dare scampo a nessuno: l’incendio è cosi rapido da non dare il tempo alle persone di scendere dalle loro auto e uscire dalle case.

In una villa, a Mati, sono stati ritrovati 26 corpi carbonizzati abbracciati tra di loro, in una scena che, a detta di molti, ha ricordato Pompei nel 79. Il bilancio è pesantissimo: 100 morti, 25 dispersi e più di 550 feriti.

Queste immagini sono state realizzate nei luoghi della tragedia, le rovine deserte raccontano il dramma, come dolorosa testimonianza di un evento che non si deve ripetere.

 

Biografia

Michele Pavana, classe 1988, è un fotografo italiano. Ha iniziato la sua ccarriera collaborando con alcune riviste locali e come fotografo outdoor in occasione di eventi DC Shoes, Red Bull e altre aziende outdoor. Nel 2010 ha iniziato a lavorare su progetti a lungo termine e reportage; dopo il suo lavoro (2014/2915) sulla crisi dei rifugiati con i progetti “Postcards from far away”, in cui i rifugiati possono inviare la propria foto per i parenti in patria, è stato allievo di Alex Majoli presso Cesura Lab. Nel 2012 ha fotografato l’uragano Sandy a New York, per vedere gli effetti dell’uragano sui luoghi simbolo a Manhattan. Nel 2017 ha realizzato un reportage nel ghetto ebraico di Venezia, il più antico ghetto del mondo; le immagini sono scattate solo di notte perché durante i secoli la porte del ghetto venivano chiuse durante la notte e la popolazione ebraica non poteva uscire. Nel 2018 ha coperto le conseguenze dell’incredibile tragedia avvenuta a Mati, vicino ad Atene, in cui un rogo doloso ha distrutto due paesi e ucciso più di 100 persone. Quest’anno ha iniziato un progetto sul “decreto sicurezza”, per vedere come questa legge cambierà il modo di vivere di richiedenti asilo e di dipendenti delle associazioni che si occupano di accoglienza. Oggi lavora come fotografo freelance, per progetti a lungo termine, reportage e pubblicità.

 

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Mostra – Thomas Struth. Nature & Politics

Fino al 22 aprile, la Fondazione Mast di Bologna presenta ‘Nature & Politics’, una selezione di grandi foto a colori realizzate da Thomas Struth. Il fotografo, famoso per i suoi scatti di vedute urbane, ritratti individuali e di famiglia, immagini di grande formato nei musei e foto della serie ‘Paradise’, dal 2007 si è interessato anche a scienza e tecnologia, in siti industriali e centri di ricerca di tutto il mondo.

Le 25 immagini esposte mostrano luoghi inaccessibili come laboratori di ricerca spaziale, impianti nucleari, sale operatorie, piattaforme di perforazione.  Struth propone un viaggio che conduce il visitatore dove le immagini parlano e svelano anche quello che non vediamo, l’aspetto invisibile.

Nella fotografia “Measuring, Stellarator Wendelstein, Tokamak Asdex Upgrade, Laser Lab o Grazing Incidence Spectrometer” il flusso del racconto conduce al caos della giungla industriale con grovigli di cavi, sbarre, giunzioni, coperture metalliche e rivestimenti plastici. Una grande confusione di oggetti dove lo sguardo si perde. Un’altra foto ci mostra un intervento su un corpo realizzato con l’aiuto di un robot e di strumenti chirurgici manovrati a distanza. Si tratta di un’operazione chirurgica alla prostata. La macchina aleggia sul corpo creando un mix di umano e tecnologico, in un’atmosfera surreale ed estranea. Attraverso queste immagini, Struth esplora l’estetica di macchinari tecnologicamente avanzati che influenzano la nostra esistenza e suggerisce la complessità di un tema come la delega tecnologica che affascina e inquieta, più o meno consapevolmente, noi tutti. Affidiamo ai ritrovati tecnologici compiti e funzioni un tempo di nostro appannaggio. Queste fotografie fanno pensare al nostro rapporto futuro con le macchine e l’intelligenza artificiale e sulla possibilità che esse prendano il sopravvento sull’essere umano.

Come ha spiegato Urs Stahel – curatore della mostra – “Con la consueta precisione e meticolosità e con una spiccata sensibilità estetica, Thomas Struth realizza grandiose immagini del mondo della ricerca contemporanea e dell’alta tecnologia. Attraverso le sue fotografie siamo in grado di percepire tutta la complessità, la portata, la forza dei processi, ma anche di intuire il potere, la politica della conoscenza e del commercio che essi celano. Col tempo impariamo a dare un nome alle singole parti di questi processi, ce ne appropriamo integrandoli nel mondo che conosciamo, ma il nesso complessivo sfugge alla nostra comprensione e non ci resta altro che un grande stupore, a volte divertito, di fronte all’alterità straniante di questi ‘ingranaggi’ ipertecnologici del presente e del futuro.”

Al livello zero della Photogallery, si trova la videoinstallazione del 2003 “Read this like seeing it for the first time” (Leggilo come se lo vedessi per la prima volta) dove l’artista tedesco rappresenta il lavoro umano, l’ interazione tra insegnante e studenti  nell’ambito di una lezione di musica. I ragazzi devono imparare ad “arrendersi” all’insegnamento e apprendere con  la massima precisione manuale e artistica.

MAST di Bologna, via Speranza 42. Termine della mostra: 22 Aprile.

INGRESSO GRATUITO. Orari di apertura: Martedi-Domenica dalle 10 alle 19

Informazioni: www.mast.org

 

 

(Testo a cura di Carolina Masserani)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Sony World Photography Award – Comincia lo spettacolo

Oggi la World Photography Organisation ha rivelato i nomi dei finalisti dei concorsi Open e Giovani dei Sony World Photography Awards 2019, che premiano i migliori scatti singoli realizzati nel 2018 in tutto il mondo. Tra i fotografi selezionati, spiccano i nomi di otto italiani.

Un successo notevole, tanto più che l’edizione 2019 degli Award è stata caratterizzata da una partecipazione da record, con 326.997 candidature provenienti da 195 Paesi. Gli otto artisti italiani gareggeranno in sette delle dieci categorie in cui sono suddivise le straordinarie opere realizzate dai finalisti del concorso Open. Questi i loro nomi e i loro lavori:

● Il milanese Marco Zaffignani è stato selezionato nella categoria Viaggio grazie a uno scatto intitolato “Whale Shark Encounter.Realizzata nel parco nazionale di Teluk Cenderawasih (Papua Occidentale), l’immagine rappresenta l’incontro tra il fotografo e alcuni squali balena nel mese di settembre 2018.

● L’insegnante torinese Rosaria Sabrina Pantano è una fotografa autodidatta. L’opera selezionata per la categoria Street Photography, “Walking Among the Stars”, è stata scattata nella sua città, in Piazza Castello.

● Alessandro Zunino è tra i finalisti della categoria Fotografia creativa con “Wires and Pigeons”, un accattivante lavoro in cui un gioco di luci e ombre crea un effetto suggestivo.

● Il fotografo documentarista Niccolò Cozzi, di origini toscane, presenta nella categoria Ritratto un’opera dal titolo “Portrait in Night Lights”.

● David Salvatori e Roberto Marchegiana rientrano entrambi tra i finalisti della categoria Natura e animali selvatici. L’immagine proposta da Salvatori, “The Assault”, è uno straordinario scatto subacqueo che ritrae un banco di sardine e dei delfini al largo del fiume Mbotyi, in Sudafrica. “Ethiopian Wolf” di Marchegiana, invece, è ambientato nel parco nazionale dell’altopiano di Sanetti in Etiopia e vede come protagonista uno degli animali più rari al mondo.

● Nella categoria Paesaggio, Sara Bianchi presenta il panorama innevato della penisola Yamal illuminato dall’aurora boreale. Quest’area costituisce l’habitat naturale del popolo dei Nenet e delle loro renne.

● Alessandro Zanoni, di professione Graphic Designer, è uno dei finalisti per la categoria Cultura. Con il suo scatto “Bright Minuet”, realizzato nei pressi del cancello principale del Palazzo Gyeongbokgung di Seul, vuole sottolineare i contrasti di una città in rapida evoluzione, in cui tradizione e modernità sembrano spesso scontrarsi.

I finalisti si sfideranno con i più talentuosi fotografi al mondo per potersi aggiudicare la vittoria nelle rispettive categorie e il titolo di Fotografo dell’anno Open. I riconoscimenti per i vincitori includono attrezzature fotografiche Sony di ultima generazione, biglietti aerei per partecipare alla cerimonia di premiazione degli Award a Londra e premi in denaro pari a 5.000 dollari.Gli scatti finalisti dei fotografi italiani potranno essere ammirati alla mostra dei Sony World Photography Awards presso la Somerset House di Londra e, in un secondo momento, in un tour globale. Inoltre, le opere saranno pubblicate sul catalogo annuale degli Award.

Prodotti dalla World Photography Organisation e acclamati in tutto il mondo, i Sony World Photography Awards rappresentano uno degli appuntamenti più importanti per il settore fotografico internazionale. Giunti al 12° anno di preziosa collaborazione con lo sponsor principale Sony, gli Award includono quattro concorsi: Professionisti (per i progetti fotografici), Open (per gli scatti singoli), Student Focus (per le istituzioni accademiche) e Giovani (per i fotografi di 12-19 anni). I finalisti del concorso Professionisti saranno annunciati il 26 marzo.

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Mostre – Carla Iacono. Melancholia

Apre il 25 gennaio 2019 alla galleria VisionQuestT 4rosso, piazza Invrea 4 r, Genova, la personale di Carla Iacono curata da Clelia Belgrado.

“Melancholia” è innanzi tutto un gesto d’amore da parte dell’artista verso la propria famiglia e, al contempo, una riflessione sull’incertezza del futuro, nella speranza che ciascuno senta la responsabilità di dare un proprio contributo per lasciare ai propri figli un mondo migliore, basato sul rispetto per gli altri e l’amore per la cultura. L’inaugurazione è fissata a partire dalle ore 18.00, le opere saranno visibili fino al  30 marzo. A differenza dei precedenti lavori di Carla Iacono, basati principalmente sul ritratto, questo è un lavoro di paesaggio ma prosegue il percorso intrapreso con le serie precedenti, incentrate sull’analisi dei riti di passaggio, a partire dal passaggio dall’infanzia all’adolescenza. E di un rito di passaggio si parla anche in “Melancholia”. Le immagini sono state scattate durante i viaggi effettuati dall’artista per visitare la figlia Flora, che ha trascorso un anno a Tübingen (Germania) nell’ambito del programma Erasmus. Si tratta quindi ancora una volta di un lavoro autobiografico, in cui il viaggio è inteso soprattutto nel suo significato archetipico, ovvero processo di individuazione, e come meccanismo di distacco/ritorno. Il tutto rappresenta, mantenendo quindi una forte valenza autobiografica, il rito di passaggio della separazione. Come nei panorami simbolico-contemplativi del Romanticismo tedesco, il paesaggio è qui metafora dell’anima, ricco di contenuti che trascendono gli aspetti formali dell’immagine e rappresentano stati d’animo che spaziano dall’orgoglio materno alla malinconia ed alla preoccupazione per l’incertezza del futuro. Il linguaggio è pittorico/fiabesco, secondo lo stile ormai consolidato di Iacono; ci mostra vedute trasfigurate dal filtro della fantasia: luce, colori, piccoli particolari realizzati a collage (media già utilizzato dall’artista in lavori di installazione ed illustrazione), tra cui i corpi celesti inseriti nei cieli di tutte le vedute, che proiettano il reale in una dimensione più intima ed onirica. Come nell’omonimo film di Lars Von Trier “Melancholia” da cui è mutuato anche il nome del progetto, i corpi celesti si stagliano sullo sfondo scatenando un senso di spaesamento e sottolineando la dicotomia (tra vulnerabilità e forza) dell’affrontare un futuro incerto. Anche in questo caso, come nelle precedenti serie, l’autrice non rinuncia a citazioni storico-artistiche, rappresentative di specifici sentimenti o legate ai luoghi visitati durante i viaggi; innanzi tutto il cinema d’autore con i  richiami oltre che a Von Trier, anche a Andrej Tarkovskij, Alain Resnais, Gore Verbiski, Karel Zeman; e poi l’arte di Caspar David Friedrich e Dürer, i riferimenti a Eugenia di Leuchtenberg, principessa franco-tedesca a cui apparteneva una delle dimore ritratte, le silhouette di Lotte Reiniger. Completano la serie fotografica un’installazione ed un “Carnet de Voyage” a soffietto che “svelano” alcune delle fonti iconografiche.

Aperta fino al 30 marzo con i seguenti orari: dal martedì al sabato 15.00 – 19.00 e su appuntamento. Info: tel. 010 2464203 – +39 335  6195394. E-mail: info@visionquest.it

 

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Incontri – Da Bottega Immagine con Erminio Annunzi

Prende il via “Dialoghi d’autore: un percorso nella fotografia contemporanea”, ciclo di appuntamenti culturali che abbiamo condiviso e ideato con Bottega Immagine, la scuola milanese di formazione alla fotografia in via Carlo Farini 60 con la quale da tempo collaboriamo. Il 24 gennaio è fissata la prima serata in compagnia di Erminio Annunzi, uno dei più bravi fotografi paesaggisti italiani, oltre che un ottimo docente e tra i massimi esperti di stampa digitale, firma autorevole del nostro magazine con il quale ha lungamente collaborato. L’intento di questi incontri, che saranno a ingresso gratuito, è quello di offrire un percorso che possa aiutarvi a sviluppare la vostra visione attraverso la conoscenza del linguaggio e del pensiero di molti grandi autori. Come a dirvi che oltre alla tecnica c’è di più, vi proporremo ogni mese una chiacchierata, fatta di parole e immagini, alla quale parteciperanno anche il direttore responsabile di EyesOpen! Magazine, Barbara Silbe, e il direttore di Bottega Immagine Stefano Bernardoni.

Vi aspettiamo il 24 gennaio, dalle ore 18:30 alle 20:30

ERMINIO ANNUNZI, incontro e mostra fotografica:

Grazie ad una attività di oltre trenta anni nella fotografia, ha maturato  una complessa e articolata esperienza sulla fotografia di ripresa e di stampa: gli studi di fotografia, svolti presso la FotoTecknichum Schule di Agfa Gevaert a Monaco di Baviera, gli hanno permesso di arrivare a una profonda conoscenza tecnico/artistica nel campo delle arti e della fotografia. In seguito ha iniziato importanti collaborazioni con agenzie fotogiornalistiche quali Daily for Press e AP, occupandosi di fotografia sportiva, di cronaca e natura: in seguito ha pubblicato immagini su riviste di natura, su quotidiani nazionali ed è stato collaboratore presso AGFA GEVAERT, ricoprendo anche il ruolo di direttore responsabile della galleria fotografica omonima. Da alcuni anni ha spostato la sua attenzione verso il paesaggio di natura declinando la visione dei luoghi in chiave artistica interpretativa.

Oltre all’attività di ripresa fotografica, da molti anni si è dedicato anche all’insegnamento della fotografia. Tra le sue collaborazioni annotiamo Toscana Photographic Workshop, Scuola di Contrasto, Spazio Forma, NABA, Eyes Open, Canon Academy e Istituto Italiano di Fotografia. All’attivo del percorso artistico, annoveriamo anche importanti mostre di fotografia realizzate in Italia ed all’estero: Arles (Collettiva), il mois de la photographie a Grenoble e il Festival della fotografia Europea di Busto Arsizio.

Ecco cosa dice di se stesso:
Lungo il mio percorso fotografico professionale, che mi ha portato ad affrontare molti generi diversi di fotografia, ho avuto la possibilità di collaborare con varie riviste italiane ed estere di natura e viaggi a carattere divulgativo e scientifico e con molte testate giornalistiche. Ho, inoltre, avuto la fortuna di conoscere ed avere come docenti, fotografi che hanno saputo trasmettermi la passione per la fotografia, elemento essenziale per la pratica fotografica.
Assieme al percorso di fotografo ho affiancato, da ormai quasi venti anni, anche quello di docente; sono infatti sempre più convinto che la fotografia potrà vivere ancora a lungo solo se la conoscenza e la cultura fotografica diventino patrimonio diffuso.

A fine febbraio il secondo appuntamento con un nuovo ospite di “DIALOGHI D’AUTORE: un percorso nella fotografia contemporanea”
Per ulteriori informazioni, tel. 02 49766208; info@bottegaimmagine.it

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Portfolio – Marco Buratti racconta la Zona Industriale Apuana

Nel progetto Z.I.A., Zona Industriale Apuana, sono partito da foto d’archivio e ho cercato di ricostruire avvenimenti che non ho vissuto, perché troppo giovane all’epoca dei fatti, intervistando e ritraendo gli abitanti della Z.I.A., esponenti dell’Assemblea permanente dei cittadini di Massa e di Carrara, Anarchici e giovani impegnati a trovare energie alternative.

Anni 80-90, la Z.I.A. è stata scenario di avvelenamenti ambientali, morti bianche, finte bonifiche e tentativi di insabbiamento delle prove e occultamento dei rifiuti tossici. Negli anni ‘80 chiusero per l’inquinamento e per incidenti diverse aziende chimiche. Tra queste, ricordiamo la Rumianca, che chiuse nel 1984 dopo un incendio che provocò la fuoriuscita di diossina, le lavorazioni dell’arsenico provocarono gravi malattie agli operai, le norme di sicurezza erano pressoché assenti. Quando un operaio si ammalava, il suo posto lo ereditava un familiare.

Nel 1988 chiuse anche la Cokapuania che produceva carbone metallurgico e trattava gas di distillazione del carbon fossile. Gli abitanti della zona ogni giorno vedevano uscire nubi di polvere di carbone dai suoi camini.

La nota positiva è che in quegli anni la popolazione prese coscienza dei danni che quel tipo di chimica produceva. Erano gli anni in cui abitanti di diverse frazioni iniziarono a dialogare per dei fini comuni, gli anni in cui nacque l’Assemblea Permanente dei cittadini di Massa e Carrara.  I forti odori, le colture dei contadini locali che marcivano, i fumi neri e i continui incidenti tecnici causarono contestazioni e picchetti della cittadinanza, che trovarono una forte risonanza nell’incidente della Rumianca e in quello del 17 luglio 1988, l’incendio scoppiato alla Farmoplant. Ogni sera le persone si ritrovavano davanti alla fabbrica e leggevano insieme gli articoli comparsi sulla stampa e i documenti reperiti dai tecnici di Castellanza e di Medicina Democratica. Tra questi tecnici spiccava la figura di Luigi Mara, biologo di Castellanza, che traduceva con semplici parole il linguaggio tecnico e quello politico. Il fine era quello di portare tutti allo stesso livello di consapevolezza. Fu una grande scuola di formazione e un momento di forte aggregazione.

Il movimento, con la denuncia e le manifestazioni, ha sempre preceduto i tecnici. Le donne hanno sempre preceduto il movimento, infatti loro occupavano le strade e avvisavano le istituzioni appena vedevano qualcosa di sospetto, denunciando incidenti che sarebbero stati custoditi segretamente dentro i cancelli. Il primo Referendum Consultivo d’Europa modificò gli equilibri del sistema che

industriali e politici auspicavano: il movimento da minoranza emotiva diventò maggioranza pensante. Da allora ad oggi si è proceduto alla bonifica del territorio tra polemiche e misteri. Le bonifiche hanno portato alla luce fusti pieni di sostanze chimiche. I camion diretti in tutta Italia smaltivano i rifiuti clandestinamente. La falda acquifera della zona è stata compromessa dalle sostanze nocive e tossiche riversate nei campi e nei torrenti dalle aziende della Z.I.A. Il tasso di malattie degenerative è più alto rispetto alla media regionale.

Marco Buratti
www.marcoburatti.com

 

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Books – The magic story of a legendary train

We announce the release of a new, beautiful book from ACC Art Books: “Orient Express, the Story of a Legend”. With a forward from the actor Kenneth Branagh, a text from Guillaume Picon and photographs by Benjamin Chelly, it explores the legacy of the train known as ‘the king of trains, the train of kings.’  Orient Express was the first train to connect Europe and the gateway to the East, and it reached an immediate succes as it was the incarnation of all the desires and fantasies associated with it. Put on the rail in 1883 by the Compagnie Internationale des Wagons-Lits connecting Paris Gare de l’Est with Costantinopoli, now Istanbul, the service was interrupted during the two World wars between 1914 and 1921 and between 1939 and 1945, to cease definitively in 1977 due to competition from air transport.

Symbol of a slow and luxurious way of traveling, the Orient Express has often appeared in books and films, often as a place of mystery and intrigue, becoming a timeless myth also thanks to literature and cinema. Many years after its final journey, “Orient Express, the Story of a Legend” explores previously unpublished archives and opens the doors to the restoration workshops giving the witnesses to this mythical story brought back to life. The book features over 200 new and archival images documenting its extraordinary journey.

TITLE:   Orient Express, The Story of a Legend

EDITOR:   Sue Bennett

PUBLICATION DATE:   September 2018

TRIM SIZE:   240 x 290mm

PRICE:   £40.00 / $55.00

ISBN:   978-1-85149-915-1

IMPRINT:   ACC Art Books

PAGE COUNT:   260

WORD COUNT:   21,965

PICTURE COUNT:   216 cmyk / 119 bw

BINDING:   Hardback

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Moste – Linda Fregni Nagler fa rivivere il Giappone dell’Ottocento

Fino al 7 aprile con ingresso gratuito è aperta a Milano, presso la sede di Banca Generali, la mostra “Hana to Yama” (Fiori e montagna) dell’artista Linda Fregni Nagler. E’ curata da Vincenzo De Bellis e inaugura il progetto triennale “BG Art Talent” per valorizzare i giovani artisti italiani. Il percorso espositivo guida lo spettatore in un viaggio esotico attraverso 30 opere legate alla scuola di Yokohama, sviluppatasi in Giappone nella seconda metà dell’Ottocento.

La caratteristica innovativa di questa tecnica stava nella minuziosa colorazione delle immagini in bianco e nero dei pittori locali, scattate da fotografi. I lavori esposti si suddividono in due soggetti tipici della Yokohama Shashin, i “Flower sellers”, venditori di fiori e le viste del Fujiyama. La materia prima è costituita dalla collezione pluriennale di fotografie raccolte dalla giovane artista, sulle quali è intervenuta a volte con un tocco leggero, altre più evidente, ma le ha manipolate con eleganza, ri-fotografate, ristampate e colorate a mano, tutto sempre in armonia con le immagini originali. Gli scatti del suo prezioso archivio, per lo più anonimi, raccontano il fascino senza tempo di un mondo apparentemente ancora immerso nella tradizione. Il Paese del sol levante in realtà si stava già modernizzando. Linda Fregni Nagler recupera e rende visibile un materiale come lo definisce lei stessa “di per sé estinto”, ridà voce alle immagini del passato. Ricerca, raccoglie, studia e traduce le sue riflessioni attraverso il linguaggio che le appartiene, quello visivo. L’elegante estetica del passato viene così interiorizzata nell’opera moderna.

Patrocinata dal Comune di Milano, “Hana to Yama” offre un nuovo scorcio su uno stile fotografico che univa la tecnica occidentale della stampa all’albumina con la tradizionale maestria dei pittori locali, con risultati artistici innovativi e di notevole pregio. Grande collezionista di fotografie storiche e affascinata dalle peculiarità di questa scuola, Linda Fregni Nagler porta avanti da diversi anni un percorso di raccolta di soggetti appartenenti a questo genere fotografico con l’obiettivo di far rivivere un mondo in via di estinzione e richiamare il carattere artistico di queste immagini, per le quali si presenta anche una grande difficoltà di attribuzione.

Accompagna la mostra un volume Humboldt books in duplice lingua, italiano e inglese.

Banca Generali Private, piazza S. Alessandro 4. Info: 02.885521

Orari di apertura: 14,30-18,30 martedì, mercoledì e giovedì oppure su appuntamento (receptionprivatemi@bancagenerali.it)

 

(testo a cura di Carolina Masserani)

 

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Portfolio – Mario Ermoli, GoHome

Il nome del progetto è “GoHome”, imperativo categorico. E stride, disorientandoci, abbinato a quelle incerte inquadrature dove nulla è definito. Una serie di fotografie a colori raffigurano edifici o esterni di città evanescenti, sdoppiati, volutamente sfuggenti al nostro bisogno di osservare. Il paesaggio urbano è rarefatto, ridotto all’essenziale, case, terra e poco altro, in una semplificazione che mette ulteriormente il risalto i soggetti inquadrati. Allo spettatore viene restituita una sorta di ricordo inafferrabile, la memoria di qualcosa che abbiamo visto in precedenza e di cui ci chiediamo il significato, come se le fotografie rappresentassero una sintesi di un soggetto che è stato reale, ma ora non ne siamo più sicuri. Palazzi in costruzione o vecchi condomini di periferia, la trasformazione in atto attraverso l’obiettivo di Mario Ermoli riporta tutto a una dimensione onirica. Lo spazio minimal sembra aver perso i caratteri legati al luogo o al tempo e diventa teatro della sensazione lasciata dal ricordo, è la Casa.

Altre informazioni sull’autore su http://www.marioermoli.com