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Portfolio – Federica Malgrati, L’eleganza del saper sentire

Un fiore che si schiude, è questa la prima metafora evocata dalla serie di Federica Malgrati. Bianco bocciolo fatto di carne e sangue e pensieri, che lentamente, morbidamente, si apre e svela molti dei temi cari a questa giovane autrice. Celati tra le pieghe di una lettura puramente estetica, ci sono grandi interrogativi, emozioni, la timidezza che si scioglie e lascia spazio a una verità talmente abbagliante da non lasciare neanche un dubbio. Nessun intento voyeuristico muove il suo sguardo. Piuttosto è teso a cogliere ogni sfumatura che i gesti sottolineano. Mostrare se stessi costa fatica, tanto più se si cerca di rendere il concetto ritraendo il corpo di una modella con una fotocamera. Sapientemente altalenante tra l’io interiore e il suo soggetto, Federica in fondo ci consegna un frammento che le appartiene. E con queste parole spiega il portfolio che pubblichiamo:

Si dice che la delicatezza sia l’eleganza del saper sentire sottilmente lo stato d’animo degli altri.

Lo schiudersi al mondo può essere un processo lento.

Richiede tempistiche differenti per ciascuna persona.

Ci si apre spontaneamente? Ci si nasconde? Si è titubanti nel mostrarsi?

A volte si ha paura di essere giudicati. O criticati.

Ognuno di noi ha una risposta intima e personale a questi interrogativi.

Ma universalmente la delicatezza sa spogliare dalle proprie paure.

Accarezza dolcemente, ma si spinge a fondo.

Così a fondo da toccare l’animo. Lavarlo dai timori. Renderlo lieve. Leggero.

Fin tanto che ci si sente pronti a mostrarsi. Così come si è.

(Federica Malgrati)

 

Note biografiche

Federica Malgrati è nata nel 1979 a Milano, città nella quale tuttora vive. Da sempre desiderosa di conoscere differenti culture, effettua numerosi viaggi. Si avvicina così inizialmente alla fotografia di reportage.

Scopre una nuova passione, un mondo da esplorare. Decide di frequentare l’Istituto Italiano di Fotografia, dove ha modo di sperimentare diversi generi fotografici. Si rende conto di voler utilizzare la fotografia come mezzo per entrare in empatia con le persone e unire un’altra sua grande passione, quella per la moda. Si sta attualmente specializzando in fashion photography presso l’Istituto Europeo di Design.

 

Contatto instagram: @federicamalgrati

 

Modella: Clelia Bastari

Contatto Instagram: @cleliabastari

Sito: www.cleliabastari.com 

 

 

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Portfolio – Antonio Verrascina, Mi hai chiesto quale fosse il mio angolo di pace

di Barbara Silbe

Di questo autore i nostri lettori già conoscono il progetto “Black Hole”, da noi pubblicato dopo un incontro avvenuto durante una lettura portfolio la scorsa estate. Era intenso, originale, scaturito dalle sensazioni di oppressione e solitudine del primo lockdown. Questo suo nuovo step, attualmente esposto al Circuito Off di Fotografia Europea e in procinto di andare al Festival di Arles, si è generato da un laboratorio sullo storytelling che ho condotto io stessa, e ci riporta a una dimensione aperta, di ricerca su frammenti immaginifici positivi dove l’esperienza visiva ha tutta la sua e la nostra attenzione. Va a fondo, esplorando se stesso, i suoi ricordi e traumi, le sue delusioni e i desideri, accentuando la dimensione onirica con fotogrammi che sembrano riflessi di pensieri. Ci affida le esperienze fatte, trasformandole in archetipi dove ogni spettatore può riconoscersi. L’autore enfatizza qui l’esperienza immersiva, creando una sequenza fluttuante e spingendo il suo stile verso la coerenza linguistica, arrivando dritto al cuore di chi osserva.

Di Antonio Verrascina io so anche altro, e ve lo racconto: prende il suo impegno per e con la fotografia con una serietà che lo fa restare sveglio di notte, lo fa agitare, entusiasmare, commuovere e lo fa, soprattutto, lavorare con un metodo che lo porterà lontano. Per questa testata, che nuovamente lo ospita con piacere, collabora segnalandoci i talenti che intercetta sul web o sui social e che poi noi, regolarmente, pubblichiamo. Un ulteriore coinvolgimento, che costa tempo e impegno e che nessuno gli impone. Si comporta come se questa disciplina, in tutte le sue declinazioni, fosse una ragione di vita e la benzina che muove le sue energie. Come è per me. Per questo in lui, io per prima, mi riconosco.

“In un mondo in cui la realtà non lascia spazio alla vita, il sogno diventa l’unico modo per provare qualcosa. Dolore, perdita, amore, desiderio, passione, rancore. Promesse sbiadite rubate alla vita,

un passato che bussa con forza, un futuro che faccio fatica a immaginare, l’unico modo che mi resta per vivere e chiudere gli occhi”

Antonio Verrascina

 

Note biografiche

Antonio Verrascina (Milano, 1983) è un fotografo che vive e lavora a Milano. Con un background nel mondo della finanza, usa la fotografia come mezzo di espressione e strumento di indagine. Nella sua ricerca, passione e ossessione convivono e si nutrono vicendevolmente, la macchina fotografica diviene estensione dei sensi nell’incontro con il mondo esterno, che nelle sue immagini appare sempre come il riflesso di una ricerca introspettiva: il suo processo è istintivo, lascia fluire le domande attraverso le immagini e viceversa. Il suo lavoro sfiora temi come la memoria, il passaggio del tempo, la solitudine, il sogno come luogo in cui si rivelano i molteplici aspetti dell’io e della realtà. Sperimenta spesso accostando immagini, parole, musica, attraverso il video e la realizzazione di piccole pubblicazioni.

 

 

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Portfolio – Maria Sécio, River Gurara

Si rimane catturati davanti alle foto realizzate da questa talentosa artista portoghese, immediatamente trasportati in un mondo parallelo e fiabesco, ma se ci si ferma ad osservare con maggiore attenzione, alcune evanescenti figure iniziano a manifestarsi e a dare vita allo scenario circostante e alle emozioni di chi osserva. L’apparente mancanza di riferimenti costringe a cercare indizi per capire meglio cosa accade, per placare una certa inquietudine che inevitabilmente ti coglie e che afferri solo dopo aver letto la storia che si cela dietro la sua poetica. Un racconto sorprendente, magico, ma allo stesso tempo disturbante. Come spesso accade con le cose che ci fanno paura, non si riesce a smettere di entrarci dentro, per coglierne i particolari e la profondità delle immagini.

(Antonio Verrascina)

 

La verità all’interno della cornice viene dal disorganizzare i momenti in una nuova narrazione astratta. I soggetti/modelli sono spogliati da se stessi. Permettendomi di alterare la loro natura nella mia. Questi nuovi personaggi spesso vestono le mie emozioni mentre inconsciamente inclino il mio lavoro ad esplorare le mie paure e i ricordi perduti.

La mia pratica analogica è spesso ciclica. Fotografo solo con la pellicola analogica perché mi fornisce gli stadi infiniti necessari per modificare un’immagine. La mia macchina fotografica è sempre impostata sulla modalità Bulb e questo fattore, “tecnicamente sbagliato”, mi permette di avere una più ampia scelta di movimento all’interno dell’inquadratura. Dopo aver sviluppato i negativi, procedo a distruggerli manualmente con sostanze acide. L’immagine è poi completa solo dopo una continua rielaborazione attraverso un editing manuale e digitale.

(Maria Sécio)

RIVER GURARA

Un giorno ho letto che i traumi possono essere trasmessi geneticamente.

All’epoca non ero a conoscenza dei traumi di mio padre. Fu solo alcuni anni dopo che mi raccontò la storia di quando vide il River Gurara affondare in una missione di salvataggio dei marines. Gli ordini dati erano di osservare, ma non di avvicinarsi. La nave si ruppe in due pezzi e rapidamente fu inghiottita dal mare lungo la costa di Sesimbra.

Per otto giorni mio padre raccolse i corpi che affioravano, già morti. Quando me lo disse io stavo già fotografando l’acqua senza sapere cosa mi spingeva a farlo. Quando me lo disse soffrivo già di talassofobia senza sapere perché. Mio padre ha risposto alla mia paura.

Usare l’acqua come tema non è mai stato qualcosa che ho scelto deliberatamente. È successo naturalmente. L’acqua è facilmente influenzata da ciò che la circonda e questa componente metamorfica mi affascina e mi spaventa allo stesso tempo.

River Gurara è diventato, quindi, il titolo di questo progetto come un omaggio alla paura di un padre e di una figlia. L’apparente equilibrio disorganizzato delle fotografie parla di un trauma messo a tacere da un’atmosfera spaventosa e misteriosa. I soggetti sono lasciati soli, vagano prima di una tempesta. Emergono dall’acqua come fantasmi che non hanno mai perdonato, vestendo le mie emozioni. Lì, aspettano il coraggio di nuotare di nuovo.

Il River Gurara abbandona la forma di una nave e diventa il purgatorio che questi personaggi conoscono come unica realtà

 

NOTE BIOGRAFICHE

Maria Sécio, nata nel 1994, è un’artista visiva portoghese attualmente residente a Berlino.

Attraverso la costruzione di immaginari inquietanti in cui i personaggi delle sue storie troverebbero spazio per esistere, Sécio ha sviluppato un modo molto particolare di raccontare storie che in seguito darà luogo all’immaginario che troveremo nelle sue opere. Le linee temporali lineari lasciano il posto a uno spazio in cui i ricordi intimi sono rappresentati in modo disordinato, creando momenti di apparente intimità con i personaggi sconosciuti che rappresenta nelle sue storie.

Dopo aver finito il liceo nella scuola d’arte António Arroio, in Portogallo, Sécio si è trasferita nel Regno Unito dove ha continuato i suoi studi in produzione cinematografica presso l’Arts University of Bournemouth seguita da un BA in fotografia presso la stessa istituzione. Tuttavia, Sécio inizierà a trovare la sua espressione artistica solo dopo aver lasciato l’università e aver viaggiato nel 2018 in Giappone e in Grecia dove ha avuto l’opportunità di partecipare alle residenze artistiche presso lo Studio Kura

(Itoshima) e Tryfon Arts Residency (Lesbo). Durante questo periodo, ha avuto le sue opere pubblicate in varie riviste d’arte a Milano, Berlino e Lisbona.

Nel 2020 ha avuto le sue prime mostre personali – “The Calm before” – alla Mina Gallery, ad Amsterdam e River Gurara all’Auditorio Augusto Cabrita in Portogallo. Questo progetto è stato anche quello che portato Maria a vincere il suo primo premio – “Novos Talentos FNAC 2020” nella categoria fotografia (Portogallo).

Nel corso dell’anno i suoi lavori sono stati esposti anche alla BARK Gallery di Berlino con la mostra collettiva “Corona-K”, la doppia-esposizione “Wabi Sabi 9+10 21” dove ha presentato le sue opere insieme a quelle di Allistair Walter e la Weserhalle Winter Auction Exhibition.

Attualmente, Sécio sta lavorando al suo libro fotografico River Gurara e sta ricominciando a lavorare con il video.

 

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Portfolio – Matteo Verre, Corpus

“Corpus” è un’esplorazione visiva sul linguaggio del corpo come strumento di espressione. Fa parte di una ricerca più ampia su temi come la memoria e il suo funzionamento, la nostra percezione del tempo e il suo flusso, e il modo in cui costruiamo la nostra identità, temi che considero profondamente interconnessi e infondono tutto il mio lavoro, come modo per analizzare e interpretare la condizione umana.

Dal momento che tutte le creazioni sono reinterpretazioni, appropriazioni, aggiornamenti ed estensioni di qualcosa di preesistente (e lo è anche la vita stessa), io cerco, ammessa la sua esistenza, ciò che rende ognuno di noi unico. Ecco perché l’autoritratto, genere sul quale lavoro da quattro anni, è un punto centrale nella mia produzione. Mi mette in una posizione particolare, dandomi l’opportunità di osservarmi dall’esterno, facendomi spostare la percezione di essere il centro del mio personale universo e, allo stesso tempo, trasformandomi in un mezzo per esprimere idee e sentimenti.

Sebbene io sia il soggetto principale di questo lavoro, il mio obiettivo è esprimere qualcosa con cui le altre persone possano identificarsi e relazionarsi, una forma di comunicazione ed empatia attraverso emozioni condivise.

Matteo Verre

Note biografiche

Nato a Livorno il 30/10/1986. Dopo il diploma scientifico matematico-informatico si è iscritto alla facoltà di Scienze Politiche Internazionali dell’Università di Pisa, ma dopo un anno ha deciso di seguire quella che era la sua vera passione, cambiando corso di studi in Storia dell’Arte Contemporanea. Affascinato enormemente dall’esame di Storia e Tecnica della Fotografia, in combinazione con il bisogno crescente di esprimere se stesso, è stato in quel periodo che ha cominciato a esplorare il medium fotografico. Essendo amante del Surrealismo, influenzato principalmente dalle opere di Dalì e Magritte, ha cominciato a  esplorare la fotomanipolazione, facendone largo uso nelle sue prime opere.

Con il tempo ha poi espanso la sua pratica, guardando ai lavori, tra gli altri, di Robert Mapplethorpe, Duane Michals e Ulay, le cui ricerche sulla figura umana e sul linguaggio fotografico, sia esteticamente che concettualmente, hanno avuto un grande impatto su di lui, combinandoli con i suoi interessi scientifici in fisica quantistica e antropologia culturale, influssi che hanno contribuito a formare il suo punto di vista sulle diverse prospettive con le quali si può osservare la condizione umana. L’interconnessione di questi concetti e percorsi variegati sono ciò che forma la sua “poetica”, focalizzata sull’identità, la  memoria, la percezione del tempo e del suo scorrere, che sono adesso alla base della sua ricerca. E’ totalmente autodidatta, ma la passione e il trasporto verso l’arte lo spingono continuamente sia a migliorare l’aspetto tecnico sia a scavare sempre più a fondo nel linguaggio artistico, con lo scopo di tradurre in immagini i suoi pensieri, le emozioni e i sentimenti.

 

 

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Robert Lundin – Sentinelle della prateria

Robert è un fotografo fine art svedese che, scrive, non pratica il mestiere a tempo pieno. Il suo stile seriale lo ha condotto a catalogare dei silos solitari in mezzo a grandi spazi, che resistono agli elementi naturali e al trascorrere degli anni, antichi testimoni del lavoro dell’uomo. Cartoline dall’Antropocene, le sue, inanimate, astratte, che pur escludendo soggetti vivi, ne fanno intuire tutta la presenza. Nella sua indagine contano il colore, le sfumature, la prospettiva le dimensioni, i vuoti e i pieni, le linee, i segni lasciati sui muri… ma più di tutto conta l’immaginazione che qui lo ha condotto e da qui lo fa (ci fa) partire per un viaggio nel tempo. Questi edifici si ergono come fari decadenti sopravvissuti all’uomo, eppure scopriamo, attraverso questa serie, che possiedono la nostra stessa caducità.

 

“Il lavoro di Robert mi ha colpito per la pulizia delle sue foto e per l’equilibrio che riesce a donare all’interno dei suoi fotogrammi. Gli scenari che ritrae sono degli enormi silos, delle maestose cattedrali circondate da un paesaggio innaturale, tanto da sembrare un set cinematografico abbandonato e sospeso nel tempo”

(Antonio Verrascina)

 

“Gli elevatori per cereali nordamericani mi hanno sempre incuriosito per le loro enormi dimensioni e per il loro design monolitico unico e senza finestre, come cattedrali che resistono agli elementi del tempo e segnalano la sublime presenza umana. Le persone sono innegabilmente al centro della storia e le loro impronte sono assolutamente ovunque nelle mie foto – ma non sono fotograficamente il soggetto principale. Attraversando il Canada occidentale nel 2018 ho esplorato la provincia canadese, principalmente agricola, del Saskatchewan. Durante questo percorso ho incontrato praterie e deserti sconfinati, luoghi in cui mi sono sentito totalmente in pace. Ciò che mi attrae è la sbalorditiva sensazione di soggezione quando si sperimenta il contrasto tra la vulnerabilità dell’uomo con la maestosità di ciò che è in grado di costruire. Lo scopo del mio lavoro è quello di trasmettere questa sensazione di imponenza e la sublimità dell’uomo in questa grande macchina che chiamiamo società. Penso che i vecchi edifici sopravvissuti alle generazioni umane, siano diventati fari nel tempo, anche se nel frattempo, stanno scomparendo proprio davanti ai nostri occhi: in Saskatchewan circa il 90% non esiste più”

(Robert Lundin)

 

Note biografiche

Cresciuto nei Paesi Bassi e in Svezia, Robert Lundin ha inizialmente avuto una lunga carriera nel business, conseguendo un Master in Economia aziendale a Rotterdam. Tuttavia, la fotografia è stata la sua vera passione. Ha seguito diversi corsi presso l’Accademia Fotografica di Stoccolma, tenendo numerose mostre nella sua città e a Parigi. Ha lasciato la sua carriera nel marketing nel 2017 per concentrarsi su nuove progetti di vita, tra cui viaggiare e fotografare.

www.robertlundinphotography.com

 

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Portfolio – Giulia Di Franco, Mesafeler

L’autrice ha ripreso dal passato una sua esperienza e ha deciso di riviverla, donandogli nuova vita. Ci racconta di questa sua malinconia in modo molto delicato, lasciando tracce di memoria tra i suoi ricordi poco nitidi, quasi cancellati dal tempo, in qualche modo sembra non volersi staccare dalle esperienze fatte. Alle sue fotografie scattate a Istanbul, sovrappone interventi grafici, aggiungendo i disegni di una figura femminile che sembra muoversi da un fotogramma all’altro quasi come se stesse danzando.

(Antonio Verrascina)

 

Giulia Di Franco è una giovane artista italiana, laureatasi in Arti Visive alla RUFA nel febbraio 2020. Il suo lavoro si sviluppa attraverso diversi media tra cui pittura, fotografia e video arte.

Con queste parole lei stessa ci introduce il suo progetto:

“Mesafeler”, in turco ‘distanze’, è nato quasi per caso tra la fine del mio Erasmus a Istanbul, e l’inizio della prima quarantena. Le fotografie sono memorie, immagini sfocate, a tratti invisibili della capitale turca, alle quali ho sovrapposto i disegni di una ragazza che vi vaga liberamente, e allo stesso tempo sembra esserne intrappolata.

 

 

 

 

 

 

 

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Portfolio – Elisa Moro. How foggy memories can be?

Elisa Moro affianca alle sue opere una semplicissima domanda posta nel titolo: quanto possono essere annebbiati i ricordi? Le foto sono molto scure, anzi oscure, i soggetti emergono quasi come fossero dei fantasmi, le atmosfere sono poetiche, ma, allo stesso tempo, molto inquietanti. La sensazione che ho provato è stata come quella di cadere in un buco, uno spazio nascosto nella sua mente, dentro al quale quei ricordi hanno una forma, prendono vita e catturano lo sguardo e l’attenzione di chi guarda. Ho trovato il lavoro davvero magnetico, mi ha ricordato l’atmosfera provata guardando Eraserhead di David Lynch.

How foggy memories can be?

(Antonio Verrascina)

 

Queste le parole dell’autrice:

“Cresciamo nell’illusione che la nostra identità sia un’unità definita e definibile, costituita principalmente da ricordi a cui aggrapparci per descriverci. Eppure basta una frase per mettere in discussione una memoria, una nuova immagine a ridefinire i contorni o il semplice passare degli anni a farne sbiadire la vividezza. Cosa succede quando scopriamo che non tutti sono veri? Scomparendo loro, scompariamo anche noi? Questo è il mio viaggio nell’oblio, nell’inquietudine di ricordi veri e falsi, distorti o mai vissuti. Un ritorno a casa, all’infanzia, a cercare di salvare qualcosa e con esso, salvarmi”.

NOTE BIOGRAFICHE

Dopo la laurea in Psicologia si avvicina alle Arti Visive partecipando al Master sull’Immagine Contemporanea di Fondazione Modena Arti Visive.

Il suo interesse è nell’applicazione terapeutica del processo creativo utilizzando come mezzo d’elezione quello fotografico, considerando le immagini come reali corpi fisici con cui interagire e la nostra mente costituita da simboli che lavorano attivamente a livello emotivo.

La sua ricerca attualmente si concentra sul paradosso dell’identità individuale come risultato della combinazione collettiva di elementi familiari, sociali e storici.

 

 

 

 

 

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Portfolio – Cristian Gelpi, imPERFETTO

Ho incontrato Cristian Gelpi in una stanza di Clubhouse, nuovo social che consente alle persone di parlarsi come in un salotto, e di farlo senza vedersi, come in radio, interagendo attraverso una certa profondità, se si è disponibili ad aprirsi. Noi eravamo disponibili. Io come lettore di portfolio, lui a raccontare qualcosa con le sue fotografie. In verità aveva raccontato ben prima di cercare me, ma quel giorno, quel che mi stava dicendo, è arrivato come una sberla. Mi ha colpito la sua verità e il coraggio di cui erano permeati gli autoritratti che aveva scelto per rappresentarlo. Formato quadrato (che usa sempre, ho scoperto poi). Colori molto caratterizzanti: una patina azzurro polvere che pare una sorta di vestito per il suo corpo nudo esposto come una biografia sullo scaffale.
Scorrendo il progetto, la pelle e le forme si rivelavano, come pochi autori hanno avuto la forza di fare. Nessuna barriera tra lo spettatore e se stesso, solo spezzoni di una figura che muta e un obiettivo che ne registra le trasformazioni, le pieghe, le cicatrici esteriori e quelle dell’anima. Tutto lì, davanti al flash, come se la fotografia fosse quel gancio per andare oltre e vedere, là in fondo, quello che lasciamo al nostro passaggio. Cristian ha una malattia, l’obesità. La sta combattendo. Si ritrae nelle tappe che lo avvicinano al suo obiettiovo – guarire – guardando se stesso cambiare e rinascere con una maturità che bypassa le convenzioni. Come Francesca Woodman scrive la sua autobiografia, analizzando il rapporto del corpo con lo spazio. Come Nan Goldin è crudo, semplice, efficace. Come Cristina Nunez ne comprende il potere e ci si aggrappa, per trasformare un dolore in arte. E’ ancora immerso in una stagione riflessiva, incerta. Mi auguro che in futuro Cristian prosegua a cercarsi, con questa stessa forza. E che abbia sempre il coraggio di raccontare la sua strada, che abbiamo tutti da imparare da una fotografia fatta così.
(Barbara Silbe)
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Mi guardo ma non mi vedo, come è possibile che questo mio corpo sia cambiato cosi tanto?
Un cambiamento enorme, esternamente, con tutti quei segni sulla pelle, le cicatrici, le smagliature e la pelle morbida che a tratti cede, ma tutto questo cambiamento esterno arrivato dopo un’operazione, come me lo sento addosso non lo so.
Ho imparato che tutto nella vita lascia un segno, positivo o negativo che sia, e in fondo i segni sono tutti buoni, sono tutti racconti e, guardandomi, oltre ai segni vado oltre quando riesco a esplorare dentro me stesso e allora mi faccio domande, mi chiedo se davvero le persone di me hanno sempre solo conosciuto la parte grassa, obesa, a volte troppo ingombrante e non sono mai davvero entrati nel mio sguardo.

Nel mio profondo, sono sempre io, con pregi e difetti, con torti e ragioni, ma chi prova a guardarmi davvero potrà vedere la mia forza nel mostrarmi, nel parlare del mio cambiamento. Si può vedere la fragilità nel faticare a riconoscere un cambiamento nel corpo che da mesi avanza e continua anche senza di me, già senza di me perché in fondo non posso scegliere quanto peso perdere, quanto continuare a dimagrire ma posso solo guardarmi per l’ennesima volta cambiare.

Mentre sono qui a scrivere ciò che sento mi accorgo di quanto la mia accettazione personale si stia facendo strada attraverso queste immagini che risuonano nella mia mente, immagini che toccano corde fragili e sensibili, ma esiste in me questa consapevolezza che mi fa dire di sapere che sono io colui che guardo in questo specchio immaginario, sono colui che, grazie a questi difetti e a questi segni eterni quanto la mia vita può riconoscersi ogni giorno.

Sono IO, sarò sempre IO a prescindere da tutto cio che voi umani guarderete da fuori, sarò IO nella mia perfetta definizione di imPERFETTO

(Cristian Gelpi)
NOTE BIOGRAFICHE
Nasco nel 1978 nella provincia di Bergamo dove attualmente vivo.
Ho cominciato a utilizzare la fotocamera nel 2009 in occasione di un viaggio in Croazia e ho considerato per diverso tempo la fotografia puramente un mezzo per raccontare il viaggio e qualche evento familiare, fino alla scoperta, nel 2012, della fotografia istantanea grazie a Polaroid the Originals e al network tutto italiano Polaroiders.
Da qui, in modo sporadico, comincio a sfruttare la pellicola istantanea per poter sviluppare la mia visione personale sotto forma di scatti singoli.
Nel 2016 partecipo ad un workshop con il Maestro Franco Fontana, che mi permette di schiudere la mia percezione verso la fotografia pensandola come un nuovo mezzo di espressione da conoscere e dominare.
Inizio a riflettere e a ricercare la mia visione fotografica.
Avvio un’ esplorazione e una presa di coscienza, comincio a scoprire e sviluppare uno stile personale in continuo mutamento, che coglie spunti da correnti artistiche che amo, utilizzando il formato quadrato che per la forma e la precisione sento come una parte molto rappresentativa di me stesso, tanto da definirmi inquadrato. Ora mi piace fotografare con calma e nemmeno tutti i giorni, ma quando viaggio in auto o cammino per la strada osservo, guardo, vedo!
Vedo la luce e sento i colori, colgo ciò che mi appartiene. Magari sarà un modo particolare di fare fotografia, ma è così che la sento.
Altri suoi lavori li trovate sul sito www.cristiangelpi.it
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Portfolio – Massimo Valentini. Strade vuote, silenzi desolati

Nelle suggestive fotografie di Massimo Valentini, non il rumore del mare ma il silenzio dei muri. Queste immagini eloquenti di un abitato salentino ci mostrano (di-mostrano) la desolazione delle strade senza il respiro umano, delle mura slabbrate o splendenti di calce, delle tracce di movimenti bloccati: una moto in attesa di evasione, carrelli sbilenchi, strumenti di lavoro senza mani lavoranti. Le finestre sono serrate, vuoti i balconi e, se una porta si apre, è su un assordante silenzio. Il cielo non è che un ritaglio, manca il respiro, lo sguardo si affretta su un vicolo stretto d’un bianco abbagliante in cerca di luce. Si medita su una edicola con l’icona mariana rinchiusa sottovetro come un giardinetto d’inverno di fiori e di foglie; spuntano accanto immagini di quotidiana devozione e un drammatico crocefisso attorniato dal nodo scorsoio di un rosario. E si apre il dialogo tra l’umanità scomparsa e l’uomo del dolore. “Ecce homo!”: sentiamo l’eco di una voce, in attesa di una resurrezione e del ritorno degli uo-mini. “Ecce homines!”

Prof. Vincenzo Cazzato – Università del Salento

 

NOTE BIOGRAFICHE

Massimo Valentini è nato nel 1964. Inizia a fotografare come autodidatta circa venticinque anni fa. Predilige la fotografia di architettura e di paesaggio urbano, antropizzato, in cui dell’uomo sono presenti, spesso, esclusivamente i segni. I suoi scatti ci parlano del rapporto tra l’uomo e il suo ambiente, senza retorica. Racconti senza pregiudizi che pongono interrogativi, lasciano dubbi.

Partecipa a numerose mostre, in questo momento il lavoro “18,45 mt.” è esposto al Centro Italiano Fotografia d’Autore di Bibbiena per Portfolio Italia 2020.

È in uscita il libro “La Quarta Roma” realizzato a quattro mani con lo scrittore Marcello Fiori per proporre una diversa idea di città. Sono pietre e ricordi tenuti insieme da uno sguardo particolare, attento, penetrante e sempre pervaso da un amore incrollabile per Roma.

 

(Portfolio segnalato da Antonio Verrascina)

 

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Riccardo Piccirillo – Diego

Riccardo Piccirillo, ottimo ritrattista napoletano che abbiamo già pubblicato qualche tempo fa con il suo progetto “Seven Seconds”, ha avuto l’occasione di testare per noi una Sony A7R MKIII dotata di ottica 24-70G Master. Questo è il portfolio che ha realizzato, corredato dal suo racconto:

“A Mergellina, Napoli, ci sono delle cabine bianche e azzurre su una spiaggia. Si trovano alle spalle di quelli che vengono chiamati “gli chalet”, in un’area dove il mare non è balneabile. Lì c’è un molo, piccolo e di legno, dove sono ormeggiate alcune barche. Diego lavora dentro la cabina più vicina al molo e il suo incarico è guardarlo, esattamente come fanno i guardiani dei fari o gli incaricati della sicurezza di un museo. Nella sua cabina c’è un monitor con alcune telecamere e una piccola finestra, da dove può osservare cosa succede fuori senza essere notato. Diego passa la maggior parte del suo tempo lì dentro, in solitudine. Per me quelle cabine sono magiche. Sono sempre stato attratto da quel luogo che ho visitato tante volte. E’ curioso come lì la luce cambi continuamente e le stesse costruzioni possano sembrare nuove o diverse. Vengono fuori sempre nuovi spunti e nuovi scatti.

Diego lavora senza parlare, la sua cabina è silenziosa e umida, ha  un odore simile a quello di un banco di vendita del pesce e, in effetti, tutto intorno è pieno di reti di pescatori. In realtà la strada è proprio alle spalle ed è sempre trafficata, quindi il rumore del traffico è costante, così come il vociare della gente, ma quando ci si trova all’interno di questo suo spazio, non si sente più nulla. Lui osserva da lì dentro, non fa altro che fare quello che faccio io dietro alla mia fotocamera: restare in contemplazione, la sua forzata, la mia libera. E’ il nostro mestiere, è quello che ci accomuna. Quando lo guardo e gli chiedo di raccontarmi il suo lavoro, Diego non fa domande, non mi chiede perché, proprio come se fosse normale che io lo stessi osservando. D’altronde è il nostro mestiere. Così, mi racconta che è tifoso del Napoli, che si chiama Diego non a caso (come Maradona), e che in quella cabina passa spesso le notti e i weekend. Gli domando se succede mai qualcosa e lui mi dice che succedono tante cose, ma quasi mai brutte. Spesso i gabbiani danno fastidio e ci sono animali, gatti, topi, piccioni e cani randagi. Quando c’è una bella giornata, ci sono curiosi che si affacciano o che semplicemente vengono a prendere un po’ di sole. E quando viene il bel tempo, le barche escono. Diego sa tutto, ma nessuno sa di lui. E’ il suo mestiere e somiglia al mio”.
Prima di fare il fotografo, Riccardo era un chitarrista blues. Nel 2010 ha scattato la prima fotografia con una reflex, un anno dopo realizzò uno dei suoi più importanti ritratti durante un concerto. Il prossimo maggio uscirà il suo libro che celebra i primi dieci anni di carriera.
Per altre informazioni www.riccardopiccirillo.com